Kukai Dantza presenta Oskara en Danza_Mos´17

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Oskara recorre algunos pasajes de la cultura vasca, mitos, desde su origen hasta la época contemporánea, un recorrido plástico y emocional de símbolos e iconografía de fuerza ambigua y desconcertante.

La pieza es obra de Marcos Morau, uno de los coreógrafos europeos más destacados; Premio Nacional de Danza 2013, actualmente realiza trabajos para las compañías más prestigiosas del momento, así como creaciones con su propia compañía, La Veronal.

Kukai Dantza

Compañía vasca creada en 2001, Kukai Dantza acaba de conseguir en la última edición de los Premios Max tres galardones por esta obra que ahora se estrena en Madrid: “Mejor espectáculo de danza”, “Mejor elenco” y “Mejor vestuario”. Formada y afincada en Rentería (País Vasco) a iniciativa del bailarín y coreógrafo Jon Maya, esta compañía desarrolla su trabajo a partir de la danza tradicional vasca, proponiendo encuentros con otros estilos de danza y formas de entender el arte. De esta forma, Kukai crea espectáculos contemporáneos a partir del folclore vasco, realizando creaciones propias y colaboraciones con prestigiosos coreógrafos.

Ficha artística

Dirección del proyecto: Jon Maya
Coreografía: Marcos Morau – La Veronal
Dramaturgia: Pablo Gisbert – El Conde de Torrefiel
Producción: Kukai Dantza
Bailarines: Eneko Gil, Urko Mitxelena, Ibon Huarte, Alain Maya, Martxel Rodriguez
Cantante en directo: Erramun Martikorena
Vestuario: Iraia Oiartzabal

Teatros del Canal presentan Sensible protagonizado por Kiti Mánver

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Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en Madrid de Sensible, una obra dirigida por Juan Carlos Rubio basada en la novela de Constance de Salm y protagonizada por Kiti Mánver acompañada por Chevy Muraday. Este montaje se podrá disfrutar en la Sala Verde del 27 de septiembre al 22 de octubre.

Sensible es un espectáculo multidisciplinar: música, danza e interpretación se funden y superponen para sumergirnos en el abanico de obsesiones y afectos del alma magistralmente trazados por Constance de Salm en su afamada novela epistolar del siglo XIX. En ella descubrimos como una madura aristócrata pasa por todas las etapas del calvario al descubrir a la salida de la ópera la traición de su joven amante, que sube al coche con otra mujer. Despechada, a lo largo de un intenso día se sumerge en una espiral de desenfreno intentando recuperar la atención de su enamorado.

En palabras del director, Juan Carlos Rubio: “debo reconocer que lo primero que me interesó de Sensible (adaptación de la obra de Constance de Salm) fue que estuviera escrito por una mujer. Y a comienzos del siglo XIX. ¿Una mujer escribiendo en aquel entonces? Claro que, si somos realistas, bien entrado el siglo XXI, la presencia de las autoras en los escenarios sigue siendo insuficiente. Yo mismo, a lo largo de mi carrera como director, siempre he trabajado con textos escritos por hombres. Y con Sensible encontré la posibilidad de corregir ese error. Y digo error, porque la inmensa gama de emociones, sueños, frustraciones, obsesiones, ironía, dolor y humor que nos regala la protagonista de nuestro espectáculo teatral solo podían surgir de la mente de otra mujer, Constance de Salm. Contar con el equipo soñado, tanto a nivel artístico como técnico, no ha hecho más que confirmarme en la intuición de que Sensible era, es, en proyecto original, auténtico y necesario”.

El trabajo escenográfico diseñado por Curt Allen introduce al espectador en la mente de una mujer que espera con obsesión la llegada de su joven amante, al tiempo que un admirador despechado observa furtivamente todo lo que se desarrolla entre esas paredes. A lo largo de 24 horas ese espacio, conceptual y onírico, va girando sobre sí mismo, ofreciendo diversos ángulos al espectador y descubriendo diversas utilidades insospechadas, como un reloj en el que las manecillas fueran marcando los diferentes estados emocionales de los dos protagonistas.

La iluminación creada por Juanjo Llorens hará hincapié en los claro oscuros de la pasión y los estrechos límites que se desdibujan entre el amor y la obsesión. El paso del tiempo, del devastador tiempo, arrasa con las ilusiones de la protagonista, Constance, y de su frustrado admirador, Alfred. La atmosfera, la claridad momentánea y la sombra creciente, potenciarán esa sensación de angustia y, en algunos momentos, de liberación.

El vestuario de María Luisa Engel nos situará en la época y el lugar exacto en que transcurre nuestra historia: el Nueva York de finales de los años 50. Constance, una sofisticada pintora de la alta sociedad neoyorquina, viste como corresponde a su posición, con elegancia y un toque de elegante atrevimiento, siempre en pos de potenciar la belleza que le puede hacer más deseable a los ojos de su joven amante. Alfred, su invisible y obsesiva sombra, vestirá de traje y corbata, impoluto, impecable.

Julio Awad ha compuesto una inquietante música original para el espectáculo, una banda sonora imprescindible para que Chevi Muraday, en el papel de Alfred, pueda transitar y dar cuerpo a los diferentes estados emocionales que asolan a los protagonistas. Sensible es un espectáculo de los sentidos, y por ello, también el singular espacio sonoro de Sandra Vicente, irá construyendo y aportando la nota necesaria en este viaje en el que la palabra no es la única protagonista.

X GATADANS - Torres de la Alameda. [vídeos]

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El pasado sábado visité Torres de la Alameda. Un bonito pueblo de la Comunidad de Madrid que ese día era sede del Festival Gatadans con uno de sus eventos de celebración de su décima edición.

Pasé una agradable tarde viendo como el equipo humano del festival organizaba todo para un desarrollo perfecto del festival.

Con la plaza llena, la compañía Emesis Colectiva comenzó el festival con la pieza ALTERALIDAD. Un trabajo que en principio pensé que iba a ser demasiado técnico para presentarlo en un pueblo, pero, como dice un anuncio en televisión, era un “prejuicio”, ya que los comentarios que oía a mi alrededor mostraban una aceptación e interés que no habría esperado.
Una apuesta valiente del festival que sin duda resultó vencedora.

La siguiente pieza APLAUSO PARA UN VALS de Arnau Pérez y Beatriz del Monte es una joya.
Fresca, emotiva, divertida… una delicia para los sentidos. Los largos aplausos dejaron claro que, como me ocurrió a mí, la obra había calado en el público. [vídeo-extracto]

VIDA de Pepa Cabezas la había visto recientemente en Madrid ante la Junta Municipal de Retiro. Me gustó entonces y me ha vuelto a gustar en Torres de la Alameda. Una obra de flamenco y contemporáneo con mucha fuerza. Excelente.

A continuación la compañía Té con pasas nos ofreció QUEEN, un homenaje a Freddie Mercury y su banda.

El final de fiesta, a cargo del showman y músico BEATMAC, con los bailarines de la gala improvisando sobre la música que iba creando, fue un derroche de energía que se transmitió a todos los presentes que acabamos bailando en la plaza. Un final genial para un festival genial. [Vídeo]

Quiero agradecer a las gentes de Torres de la Alameda su amable acogida.

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Nuevo espectáculo en el Teatro Lagrada dentro de la programación del X Miradas al cuerpo. Y nuevamente salgo encantado con la calidad de lo que he visto. Un espectáculo en el que la excelente técnica no ahoga el sentimiento. Una obra de arte que, por supuesto, recomiendo a todos los que la puedan ver.

La sala, casi vacía, grita la necesidad de crear público para la danza. Ahora que la crisis supuestamente ha terminado, ya está tardando la Comunidad de Madrid en dotar de presupuesto a ideas efectivas encaminadas a la creación de público.

Sinopsis

Apartarse una vez más y quedarse dormido. Plácidamente. Abandonado. Conmovido.

Y transitar aquellos territorios que descansan, se extienden, aparecen y ya han desaparecido; que se mecen, explotan, salpican, se crispan, se elevan. La temperatura de tantos paisajes. Su temperamento y el mío.

Para calibrar, una vez más, la cantidad de dolor y plenitud; cuánto de cada cabe en una mano y en otra. Qué pesa más.

Y como no tengo nada que perder, me pierdo. Porque sólo quien se entrega resucita.

la temperatura el temperamento es un paisaje.

Amanecer en medio de un campo de espigas, después de un largo sueño. No sabe cómo ha llegado allí, o no quiere saber, o no tiene paciencia para recordar. Sabe que quiere salir de allí, pero acepta su estado como una bendición; es como dos segundos antes de una catástrofe: esperas lo peor. O lo mejor: la celebración de todas aquellas cosas que quedaron dentro. Es un estado transitorio. Un baile en el campo de la fiesta, y a ambos lados dos abismos. La oportunidad de resucitar para cruzar al otro lado.

la temperatura el temperamento es un acto de fe en la materia de que se compone el cuerpo, del lenguaje que le es propio. En palabras de Roberto Fratini, teórico de danza, la imagen es un cuerpo “rodeado de nebulosa”; de la misma forma lo es la visión que el espectador tiene del cuerpo del bailarín en escena, la imagen que recibe de aquel que no habla, que no hace uso de la palabra y de su significado. Sólo un cuerpo y un paisaje. Y tantos paisajes. Un collage de imágenes para ser interpretadas, relacionadas, apropiadas, sentidas. Y, siguiendo el consejo de Fratini, mi deseo no es arrojar luz sobre este cuerpo, mas por el contrario, adentrarme en su oscuridad.

Las únicas palabras que logran salir de este cuerpo silente son canto, tarareo; de otra forma no saldrían. Pertenecen al poema del músico y poeta del Prerrenacimiento español Juan del Enzina:

“Más vale trocar/ plazer por dolores/ que estar sin amores”

Esta música se repite una y otra vez en la pieza como un mantra, una obsesión: perderse, entregarse. Más allá de esto sólo resta el cuerpo en movimiento y alguna acción simple que no transforma el espacio pero permite su reinterpretación. Un cuerpo nublo que transita por diferentes estados, y el cual el espectador puede contemplar como un viajero observa los paisajes que se abren al otro lado de la ventana.

El deseo fue entonces crear una paisaje. O mejor, un paisaje dentro de otro paisaje. Paisajes dentro de paisajes. Proporcionar al espectador un paseo por universos cargados de estados físicos, emotivos, energéticos. Como referencia, las palabras de Patricia Caballero, bailarina y creadora, en relación a su trabajo: “Lo que hago es lanzarme de un sitio a otro: de lo que está más abajo a lo que está más arriba, y de lo que está más arriba a lo que está más abajo […] Es como un viaje de un estado a otro de conciencia.”

La contemplación de estos universos y la identificación con su temperamento. Pues, según el filósofo Georg Simmel, cuando identificamos un paisaje, conseguimos abrirnos a “un estado completamente nuevo” y recoger “en sus inquebrantables límites lo ilimitado”. De esta forma, el paisaje como fin último, como destino:

“[…] él mismo [el paisaje] es una figura espiritual; en ninguna parte cabe palparlo y hollarlo en lo meramente externo; vive sólo por la fuerza unificadora del alma en tanto que un entrelazamiento no expresable por medio de ninguna comparación mecánica entre lo dado y nuestra creación.“

El paisaje como “figura espiritual”, que “vive sólo por la fuerza unificadora del alma”, y la contemplación del mismo como herramienta para la identificación con el paisaje para acceder a lo “ilimitado”.

He aquí, finalmente, la temperatura el temperamento. Habitar un cuerpo rodeado de nebulosa y permanecer allí “plácidamente. Abandonado. Conmovido.” Un cuerpo mudo y misterioso. Para existir en lo desconocido. En palabras de Angélica Liddell: “[...] al final la expresión es misterio, y yo creo que el misterio me va a llevar directamente a lo sagrado”.



Fran Martínez


Vigo, 1987.

Soy titulado superior en interpretación por la Escuela Superior de Arte Dramático de Galicia (2009) y en 2014 obtengo la licenciatura en Danza en la Escuela Superior de Danza de Lisboa. Complemento mi formación en danza contemporánea y danza butoh con diferentes maestros en España, Portugal y Bélgica, entre los que cabe destacar: David Zambrano, Eulalia Ayguadé, Rakesh Sukesh, Les Slovaks Dance Collective, Guillermo Weickert, Patricia Caballero e Hisako Horikawa, entre otros.

He colaborado con los artistas Elena Córdoba, Dora García, Tino Sehgal y Emanuele Sciannamea y soy cofundador de áIntemperie | Colectivo de creación escénica experimental, y p r á c i d o • d o m i n g o | Compañía de artes del movimiento.

Desde 2013 trabajo con la coreógrafa portuguesa Amélia Bentes, participando en sus últimas creaciones: Eternuridade (2013), Sem chão sem fim (2015) y Xurxo (2016). Actualmente trabajo con la coreógrafa Meytal Blanaru en su última creación, ANITYA, estrenada en el mes de julio en DansCentrumJette (Bruselas).

la temperatura el temperamento, mi primer trabajo coreográfico, ha sido estrenado en junio de 2015 en el Teatro Ensalle de Vigo y ha sido presentado en festivales como Corpo[a]Terra, Quincegotas o SóloDos en Danza, donde ha sido galardonado con el premio “ Programación en el Festival Abril en Danza en el Gran Teatro de Elche 2017”.

Creación e interpretación
Fran Martínez

Iluminación
Pedro Fresneda y Raquel Hernández

Técnico en gira
Ángel Sousa

El guardaespaldas llega a la Gran Vía madrileña. [vídeo]

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Ayer tuve la oportunidad de asistir a la presentación de este nuevo musical de la Gran Vía madrileña.

Un derroche de técnica arropa la maravillosa voz de Fela Domínguez que, acompañada por un extenso elenco, protagoniza el musical.

Sólo he visto unos minutos durante la presentación, pero me bastan para augurar un gran éxito.

Esta nueva producción de Stage Entertainment, está dirigida por Carline Brouwer (Sister Act), cuenta con Iván Sánchez y Maxi Iglesias alternándose en el papel de Frank Farmer, y con la cantante y actriz mexicana Fela Domínguez en el papel de Rachel Marron.

Más de 30 actores y bailarines completan el reparto de este musical que se estrenará el 28 de septiembre en el teatro Coliseum de Madrid.

Laia Salvador estrena ESPARTA en Madrid

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Hace unos años yo era un crítico de danza honesto, -lo sigo siendo aunque ya no sea mi ocupación principal-. Mi honestidad me acarreó la enemistad de mucha gente mediocre, de los que, en palabras de Norman Vincent Peale, “prefieren ser arruinado por los elogios que salvados por las críticas”. También gané algunos amigos :-).

Una ventaja que me he ganado con mi fama de crítico honesto, es que me permite disfrutar de la danza, porque sólo los que están seguros de la calidad de su trabajo se atreven a pedirme que vaya a verlo (y hacer fotos, mi cámara y yo ya somos inseparables).

Laia Salvador me invitó ayer a ver su espectáculo “ESPARTA” y, como preveía, salí encantado con el trabajo coreográfico de esta artista a la que hasta ahora sólo conocía y admiraba como bailarina.

ESPARTA es una obra coreográfica de danza española inspirada en la sociedad espartana y en el viaje que siete jóvenes emprenden para convertirse en grandes guerreras.

La Danza Española, el Folklore y el Flamenco se fusionan con elementos de percusión resultando en un espectáculo elegante, fresco y de una gran calidad que no puedo por menos que recomendar.


Idea original, producción, coreografía y dirección escénica:
Laia Salvador

Elenco
Laia Salvador
Laura Fúnez
Cristina Cazorla
María Gayubo
Lucía Gómez
Mariana García
Almudena Roca
Rocío Gómez

Composición musical
Laia Salvador
José Hernández

Escenografía
Laia Salvador

Vestuario
Carmen Granell

Diseño de iluminación
Olga García

Meraki Cía presenta Saved or Not en Miradas al Cuerpo

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El Teatro Lagrada sigue presentando espectáculo de danza de gran calidad con muy poca respuesta por parte del público. Como en el caso de esta interesante obra “Saved or not” que pude ver con la sala casi vacía.

Puedo entender que el público en general no acuda a ver danza. Durante años se ha alejado al público no danzante con la promoción oficial de espectáculos de dudosa calidad, muy del gusto de los que mandaban en esos momentos.

Lo que no puedo entender es que los bailarines no acudan, la sala tiene precios y ofertas que no admiten la justificación económica. Yo, como fotógrafo, procuro acudir todas las semanas a exposiciones de fotografía consciente de que, sean de mi gusto o no, esto supone un enriquecimiento en mi bagaje artístico fotográfico. Pienso que los bailarines deberían hacer lo mismo, ya que la contemplación de otras formas de hacer danza sólo puede redundar en su beneficio.

Ayer me decía una amiga americana que en su país los conservatorios y escuelas promueven la asistencia a espectáculos de danza. No sé como está esto aquí en España.




SINOPSIS DEL ESPECTÁCULO

Saved or Not analiza el paso del tiempo, la confianza entre dos personas y su relación, a través del movimiento de la Danza Contemporánea y del Breakdance. De formato autobiográfico, las experiencias personales se trasladan al escenario creando un lenguaje basado en la cotidianidad.

Saved or Not es una exploración de la dualidad entre lo real y lo fantástico, donde dos personas encuentran, a través de la danza, su refugio en el otro.

Los protagonistas experimentan un viaje a través de diferentes emociones y sentimientos llevados más allá de los límites del espacio escénico.

El cuerpo, la escena y la tecnología, coordinados para ofrecer un diálogo sentimental, donde confluyen los sentidos de los espectadores con la precisión y la química del movimiento.

Se crea una atmósfera que envuelve al público, donde la complicidad real entre los bailarines se traslada al espectador para transmitir sentimientos y emociones. Algunas de las ideas desarrolladas surgen a partir de la contextualización de palabras como empatía, sinceridad, comunicación, miedo o libertad.

Latente de La Casa Amarilla en Lagrada

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Miradas al cuerpo es un festival que me hace sentirme muy agradecido. Miguel Torres, director del Teatro Lagrada, hombre de teatro, tiene un gusto excelente a la hora de elegir su programación de danza.

La obra que se comenta en este artículo es bella. Por algún motivo me hace feliz, optimista. Obviamente esto que digo no tiene nada que ver con la sinopsis, que os copio más abajo, pero como dijo Confucio (o no) “Si Dios hubiera querido que fuéramos objetivos nos habría hecho objetos, nos hizo sujetos, por tanto subjetivos”.

He disfrutado cada instante de los cincuenta minutos de Latente y recomiendo encarecidamente verla.

Aprovecho para protestar.
La programación del festival Miradas al Cuerpo es muy buena y el teatro hace la difusión necesaria.
No me explico que cada vez que voy me encuentre con sólo diez-doce espectadores en la sala.
¿Será que como hace poco me decían los responsables de un teatro privado la danza no interesa?

Hace falta crear público para la danza.



SINOPSIS

No soy la mejor en nada, ni la peor en todo. Tengo una única maleta con demasiados recuerdos y pocos sueños cumplidos y llevo tanto tiempo esperando en la orilla a que la vida venga a buscarme, que se me han hundido los pies en la arena y no puedo caminar. Sigo aquí, escondida, esperando.

Latente es un viaje a lo más profundo y oscuro de nosotras mismas.
Latente nace de la necesidad de hablar de nuestros miedos, de nuestros fracasos y nuestras frustraciones en este momento en el que nos encontramos en el que cuesta ilusionarse y en el que nos enfrentamos a la duda constante de si lo que hacemos sirve para algo o, simplemente, si interesa a alguien.
Latente es un lamento, es un grito de auxilio pero también es un reírnos de nosotras mismas, es un intento de conocer lo bueno y lo malo y seguir hacia delante, porque hay que seguir soñando (en grande y en pequeño) como si fuera el último día.

Curriculum de la compañía

La Casa Amarilla Danza nace como compañía en el año 2006 y surge como un grupo que pretende romper los límites, abrir las puertas del arte y borrar los contornos que definen el "yo bailo, tú pintas, él toca".
Afincada en Valencia, la compañía está dirigida por Cristina Gómez pero busca constantemente la participación y colaboración de gente que comparten la idea de un proyecto en común que busca que el resultado no sea una pieza de danza sino una obra completa donde se unen música, plástica, teatro, voz, expresión y movimiento.
La Casa Amarilla Danza ha estrenado las siguientes obras, "Descolgada" en el año 2006, "Vacía" en el año 2007 y "Elogio a un solo instante" en 2008 (con varias reposiciones de la misma entre 2008 y 2013) "Yo nunca seré una estrella de rock", en 2010, "Sublimación: proceso para evaporar el alma", estrenada en mayo del 2013, el espectáculo para público familiar “la vuelta al mundo en 80 años” estrenada en espacio inestable dentro de su programa de residencias “graneros en creación” en noviembre del 2015 , “el vacío en la huella” pieza breve de danza para calle y espacios no convencionales estrenada en sala Carme teatre en 2015 y “Abrazar el abismo” que se estrenó en enero del 2016 en la sala Russafa de Valencia y recibió el premio del público al mejor espectáculo de danza.

Curriculum de Cristina Gómez

Cristina Gómez estudió en la Universidad Miguel Hernández de Altea el título superior de Danza Contemporánea, ha impartido clases de danza en Saltamontes Espacio Creativo, y actualmente en imparte clase en la escuela de Eva Bertomeu. Además de crear la compañía La casa amarilla ha formado parte de la compañía La coja dansa con la que ha participado en las coreografías “Mucho que perder”, “Todo por hacer”, “Prólogo del temblor”, “Retrats habitats”, “Fracaso…” y “No falta ninguno”. Ha colaborado con las compañía de teatro Savoir faire y Tres teatre además de con la compañía de teatro clásico El corral de la Olivera.
Ficha artística
•DIRECCIÓN: Cristina Gómez
•COREOGRAFÍA E INTERPRETACIÓN: Ana Lola Cosín Torada , Cristina Gómez Vicente, María Martí Peñaranda
•ESPACIO ESCÉNICO E ILUMINACIÓN: Carlos Molina
•MÚSICA ORIGINAL: Edu Marín
•TEXTOS: Irene González
•Canción Sueño latente: Paricia Gimenez
•Duración: 50 min
Estrenado en Carme Teatre (Valencia) en Febrero del 2017

GATADANS en San Fernando de Henares

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El festival GATADANS celebra este año su décima edición y lo hace con una extensa presencia en nuestra comunidad.

Este fin de semana tocaba en San Fernando de Henares.

El viernes Umami Dance Theater ofrecía un “Taller gratuito de Bboying” previo a su actuación en la “Plaza Olof Palme” con el espectáculo “Agridulce”.

El sábado a las 20h., a este pude asistir yo, en la Plaza de España el festival presentaba los espectáculos: “Hoax” de Denislav Valentinov, “Silencios” de Seaven Dance Company, “Malditas Lagartijas” de Beatriz Del Monte Fernández (se da la circunstancia de que esta bailarina es natural de San Fernando) y “Azahar” de la Cía. Marcat Dance.
Posteriormente, a las 22:30, el Grupo Erizonte, acompañado por la bailarina Katy Humenyuk, presentó su espectáculo “Los caprichos de Goya” que aúna danza, vídeo y música en directo.

Hoy domingo están previstas en las calles Libertad y Constitución las actuaciones de Pepa Cabezas con “Vida”, David Vento con “Samsari” y Victoria P. Miranda con “And Tha ́s Why I ́m Here Today”.

“Azahar” de la Cía. Marcat Dance

Había visto, y disfrutado, todos los espectáculos presentados el sábado a las 20h. en anteriores galas de GATADANS excepto el de la Compañía Marcat Dance que me ha impresionado por su gran calidad.

Un espectáculo muy étnico con marcado acento sefardí que delata la procedencia de su coreógrafo, Mario Bermúdez, que ha sido bailarín en la compañía “Batsheva Dance Company”.

Auguro muchos éxitos para esta compañía. Muy recomendable.


PROGRAMA

HOAX
Denislav Valentinov
SILENCIOS
Seaven Dance Company
MALDITAS LAGARTIJAS
Beatriz del Monte
AZAHAR
Cía. Marcat Dance

Excelente comienzo del Festival Miradas al Cuerpo. Drei

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Paloma Hurtado nos trae desde Canarias un excelente trabajo.

Drei está compuesto por tres piezas, “ääniä”, “Desert Rose” y “Mintaka”, en las que la coreógrafa y bailarina vierte una emoción que llena la sala y embriaga al público.

No puedo por menos que recomendar esta obra que puede verse aún mañana sabado y el domingo en el Teatro Lagrada.

DREI

Espectáculo de danza contemporánea de 45minutos de duración, compuesto por tres piezas representadas en el siguiente orden: “ääniä”, “Desert Rose” y “Mintaka” . Estas tres obras nacen fruto de la relación artística del compositor y músico lanzaroteño Samuel Aguilar y la bailarina y creadora malagueña Paloma Hurtado, cuyas trayectorias profesionales se han ido cruzando en los últimos años, dando lugar a la necesidad de colaborar juntos en este proyecto común.

“Drei” se estrenó el 30 de enero de 2016 en el Teatro Victoria de Santa Cruz de Tenerife con muy buena acogida.

A continuación detallamos la información sobre cada una de las obras que forman este espectáculo.




ÄÄNIÄ
Sinopsis:
Tomando como punto de partida el silencio y como principal referencia de estudio el trabajo Silencio, publicado en 1961 y que reúne conferencias y escritos del compositor norteamericano John Cage, Hurtado y Aguilar asumen el reto de trabajar este concepto desde el extremo opuesto. Entendiendo el silencio como la ausencia de sonido, y por ende, en un sentido más amplio, la ausencia de movimiento, estos dos creadores abordan su propia reflexión sobre el silencio con la creación del no-silencio en una pieza, desde la danza y desde la música. ¿Se puede encontrar un sonido que evoque el silencio?¿puede un cuerpo en movimiento transmitir la quietud, la ausencia de movimiento?
Quizá encontraremos en esta pieza el silencio como espacio de encuentro, como lenguaje que el arte toma para decir lo que de otro modo no puede ser dicho; el silencio permite emerger no solo aquellas preguntas sin respuesta, sino aquello que desea ocultarse: la fragilidad de la vida, la plenitud que puede implicar abrirse a la percepción, la puerta que nos permite dejar el extrañamiento en el que nos sumergimos y nos permite vernos más allá de la marca tumultuosa en que nos envuelve la modernidad.
Creación e interpretación: Samuel Aguilar y Paloma Hurtado.
Texto: extracto de Silencio, de John Cage.
Duración: 23’.


DESERT ROSE
Sinopsis:
Privada de libertad, sin alas, con pies que se hunden en la arena infinita de un desierto sin nombre...yo...nadie… Más en peligro que nunca creen defenderse y se pierden...ellos...nadie. Y para evitarlo nace en mí el sueño de dejarme atravesar el corazón; un corazón entre senderos y montañas, humilde, a ras de suelo.

“Allá voy, allá voy, piedras esperen!
alguna vez o voz o tiempo
podemos estar juntos o ser juntos
vivir, morir en ese gran silencio
de la dureza madre del fulgor.
Alguna vez corriendo
por fuego de volcán o uva de río
o propaganda fiel de la frescura
o caminata inmóvil en la nieve
o polvo derribado de las provincias
de los desiertos, polvareda,
de metales,
o aún más lejos, polar, patria de piedra
zafiro helado
Antártida
en este punto o puerto o parto o muerte
piedra seremos, noche sin banderas,
amor inmóvil, fulgor infinito.
Mucho más alla…” (Alejandra Pizarnick)

Creación e interpretación: Paloma Hurtado.

Música original: Samuel Aguilar.

Duración: 15min.


MINTAKA
Sinospsis:
“Qué bello es todo, juntos nos sorprende el alba primigenia que nace a cada instante. Un aquí y ahora común, la eternidad. Nada es lo que era y todo es para siempre. Cada brizna de hierba es árbol encumbrado viento y el viento es agua fecundando la tierra y la tierra es carne y la carne mujer y la mujer es canto y el canto palabra y la palabra viento, agua, tierra, carne, mujer, instante, todo, ahora y aquí. Eternidad. (Josep Mª Mercader)”.
Creación e interpretación: Paloma Hurtado.
Composición musical: Samuel Aguilar, Fabiola Socas.
Duración: 10min.


Samuel Aguilar
Nacido en Lanzarote en mayo de 1975, inicia los estudios musicales en su isla natal para continuarlos durante un año en los Estados Unidos. Posteriormente es becado por el Cabildo de Lanzarote para estudiar en Londres bajo la supervisión de la pianista María Garzón. Obtiene el Título de Profesor Superior de Solfeo, Teoría de la Música, Transposición y Acompañamiento, así como los de Profesor de Piano y Profesor Superior de Armonía, Contrapunto, Composición e Instrumentación en el Conservatorio Superior de Música de Santa Cruz de Tenerife, donde estudia, entre otros, con Milena Perisic, Carlos Puig y Miguel Ángel Linares. Ha asistido a diferentes cursos de especialización musical entre los que cabe destacar los impartidos por Samuel Adler, Guillermo González, Joel Lester, Solomon Mikowsky, Jesús Ángel Rodríguez, Herman Sabbe o Karlheinz Stockhausen. Es licenciado en Filología Inglesa por la Universidad de La Laguna. Ha impartido clases en el Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife, y ha sido profesor también en el Conservatorio Superior de Música de Santa Cruz de Tenerife y en el Conservatorio Superior de Música de Canarias. Ha impartido ponencias y talleres relacionados con distintos aspectos de la música en diversos puntos de la geografía canaria.
Ha publicado numerosos trabajos discográficos, siendo el último de ellos En el camino, editado en 2014 y compuesto conjuntamente con Fabiola Socas. Así mismo, ha compuesto música ambiental para diversos espacios públicos y privados así como la música original para documentales, publicidad, cortometrajes, largometrajes, instalaciones audiovisuales y espectáculos de teatro y danza.

Han sido estrenadas obras suyas en Alemania, Australia, Bielorrusia, Brasil, Canadá, Colombia, Cuba, Dinamarca, Ecuador, Egipto, España, Estados Unidos, Filipinas, Inglaterra, Islas Reunión, Italia, Malasia, Nueva Zelanda, Polonia, Senegal, Singapur, Suecia, Suiza y Vietnam. Entre los últimos proyectos realizados destacan la música para el espectáculo de danza Entomo, estrenado en el Gran Teatro de La Habana (Cuba) por EA&AE, la música para la obra de teatro Crimen, estrenada en el TEA Tenerife Espacio de las Artes (Santa Cruz de Tenerife) o la instalación sonora El Rincón de los Secretos, presentada en el CAAM (Las Palmas de Gran Canaria).


Paloma Hurtado
Nacida en Málaga el 7 de febrero de 1987. En 2007 obtiene el título de Grado Medio de Danza Contemporánea en el Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid. Continúa su formación en España y parte de Europa con profesores como: danza clásica: Libby Farr, Elena Postigo, Jonh King, Ximena Carnevale, Valery Kirianov, Valentina Letova, Alexandra Ruiz Macias, Pino Alonso, Pedro de la Cruz, Gema Bautista…; danza contemporánea: Angelique Willkie (voz y movimiento), Benoît Lachambre, Elena Postigo, Karim Karim, Randall Scout, Jennifer Man (modern/ contemporary), Jyrki Karttmen, Helge Musial (coreografia), Olga Cobos (técnica/coreografía),Fernando Hurtado, Rasmus Ölme, Meike Schönhutte, Thomé Araujo, Joaquín López, José Reches, Win Vandekeybus, Robert Haydn, Nordine Benchorf, Iñaki Azpillaga, Eduardo Torroja, Michelle Boullet,…;tai-chi-chuang: José Sánchez, Carolin Carlson, Larrio Ekson, Alain Gruttadauria, Christine Tanguay ; yoga: Fernando Vera, Kany, Jose Cao; butoh: Hisako Horikawa.
Participa como bailarina en diversos Certámenes de Danza (Madrid, Galicia, Andalucía, Castellón, Maspalomas…obteniendo en este último la Mención de Honor a la mejor bailarina). Realiza diversas colaboraciones como bailarina en Andalucía (2001-2004) y en Madrid (2004-2007). Desde 2007 reside en Tenerife y es componente del laboratorio de danza Tenerifedanzalab, donde ha sido bailarina para creadores como: Tino Fernández (L’Explose), Anne Lebatarde (Ex Nihilo), Edmond Ruso y Shlomi Twizer (Affari Esteri), Lea Martini y Chris Lauemberg (colectivo White Horse), Ido Yoshiko,… profesora y creadora.
PalomaHurtado.pieLdEarenA surge a principios de 2014 con la intención de abrir un espacio en el que poder interrogarse a través del lenguaje del cuerpo como paisaje del alma, permitiendo a creadores ý espectadores, compartir momentos de reflexión, en los que conectarse, reconocerse y abrirse a sensaciones y emociones. De alguna manera pretende generar un espacio-contenedor de las obras que ha ido creando en los últimos años (Presencia en la ausencia, Dakini, Tulipán en tierra muerta, Träd, Tiana, Camille Claudel bio-sinfonía) dentro de los lenguajes de la danza contemporánea y danza teatro. “Vivir es estar en movimiento, bailar es sentirse vivo”.

Creación e interpretación: Paloma Hurtado y Samuel Aguilar.
Coreografía: Paloma Hurtado.
Música original: Samuel Aguilar.
Iluminación: Grace Morales.
Residencias de creación: Teatro Victoria y Auditorio de Tenerife Adán Martín.
Agradecimientos: Canarias Crea Canarias.

Cuatro solos y una exposición

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Ayer se clausuró la exposición “Miradas” que se ha podido visitar en la Junta Municipal de Retiro durante todo el mes de agosto.

Programada dentro de los eventos que celebran este año el X GATADANS, la exposición se puede ver desde el día 2 al 30 de septiembre en la Biblioteca Luis Rosales de Carabanchel. Vale la pena acercarse y visitar esta biblioteca. Es espectacular.
El día 6 hay previsto en el salón de actos de la biblioteca un encuentro de algunos de los autores con el público y una video proyección de danza.

DANZA EN LOS BARRIOS DE MADRID

Coincidiendo con la clausura de la exposición, y dentro de los mencionados eventos del X GATADANS, cuatro excelentes solos de danza han acercado esta disciplina a los ciudadanos del distrito Retiro.

PROGRAMA

I’m not a kid anymore de ARNAU PÉREZ

Malditas lagartijas de BEATRIZ DEL MONTE

Samsarí de DAVID VENTO

Vida de PEPA CABEZAS