jueves, 28 de diciembre de 2017

La Compañía La Bicicleta presenta el Musical Cuento de Navidad en el Teatro Sanpol

Reportaje completo en www.eter.com

 Al placer de ver las obras de la Compañía La Bicicleta, se une en muchas ocasiones, como esta, el placer de ver el teatro lleno de niños disfrutando de la cultura. Siempre lo digo, el Teatro Sanpol es un centro de creación de nuevos públicos. Me gustaría ver por allí algún día a nuestro Consejero de Cultura, Jaime de los Santos, apoyando con su presencia esta extraordinaria labor educativo/cultural.

En esta ocasión La Bicicleta presenta un excelente musical basado en la obra homónima de Charles Dickens. Un espectáculo apto para todas la edades al que yo recomiendo asistir. Si en el mundo de la danza El Cascanueces es obligado en fechas navideñas, este Cuento de Navidad no debería faltar cada año en el mundo del Musical.

CUENTO DE NAVIDAD

La mas bella historia de Navidad, la de Charles Dickens, nos acompaño durante las navidades del 2010. Estrenamos un nuevo siglo viviéndolo como si todo él fuera una Nochebuena.

La Navidad son esos días en que demostramos nuestro cariño a nuestros semejantes, donde todo aquello que deseamos puede ser posible y si podemos echar una mano lo hacemos con lo mejor de nuestro corazón.

Un día al llegar la Nochebuena el señor Scrooge se enfrenta a sus pequeñas y grandes miserias terrenales y tiene que revivir todas las acciones malas que realizó. Afortunadamente, la noche de Navidad puede hacer el “milagro” de que recapacitemos y cambiemos nuestra manera de vivir y de relacionarnos con los demás.

Un gran elenco de actores y bailarines con una producción deslumbrante hizo que Cuento de Navidad una historia que siempre recordaremos.

Scrooge Javier/ Ibarz
Bob Crachit, Espiritu 1 y Viejo Joe/ Victor Benedé
Fred, Jacob Marley, Sr. Fezziwig y Espiritu 2/ Albert Suárez
Dama, Anna, Sra Fezziwig y Sra. Dilver/ Natalia Jara
Bella, niño, Fanny/ María Arévalo
Isabel, Niña del pavo y Marta/ Sara Fandiño
Niña, Tim y Escarlata/ Miriam Arias Pérez
Chico, Tooper, Espiritu 3, Richard y Niño Scrooge/ Jaime Páramo

Dirección/ Quim Capdevila

Diseño iluminación/ Nicolás Fischtel
Escenografía/ Pablo Almeida
Coreografía/ Juan Rua/Georgina Cort
Ficha didáctica/ Cristina Ferreiro
Diseño gráfico/ Landmark Comunicación

Producción/ Natasha Fischtel
Realización escenografía/ Pablo Almeida/Gonzalo Buznego
Vestuario/ Denitza Deneva

sábado, 16 de diciembre de 2017

Muestra de danza. Exposición Tanzziel.

Reportaje completo en www.eter.com

 Nuestros colaboradores María Mateo y Emilio Tenorio, Equipo Visor, tienen abierta hasta el próximo día 21 de diciembre una exposición de 40 fotos de danza en el C.C. Antonio Machado de Madrid.

Paralelamente a la exposición se ha programado diversos eventos muy relacionados con el mundo de la danza.

En la sala donde se exponen las fotos puede verse una muestra de tutús de la colección de la bailarina Charo Carrasco, comisaria de la exposición y organizadora de los eventos que han acompañado esta exposición.

Los autores de la exposición mantuvieron una charla sobre fotografía y danza el día 1 de diciembre, donde pudieron aportar sus puntos de vista y contestar a las preguntas que les plantearon los asistentes a la inauguración.

El día 3 de diciembre tuvo lugar un interesante encuentro con la Maestra Dagmara Brown en el que se proyectó un vídeo con fotos de la trayectoria de esta gran bailarina.

GALA DE DANZA

El pasado viernes 15 tuvo lugar el último evento programado en esta exposición. Una gala de danza en la misma sala donde pueden verse las fotos.

Como curiosidad, decir que María Mateo, bailarina además de fotógrafa, bailó en la última pieza.

Os dejamos el programa de la muestra y algunas fotos tomadas por Emilio Tenorio, que en este caso son de libre disposición mencionando autoría.

La exposición podrá visitarse hasta el próximo día 21 de diciembre.


Programa

1.- “PASO A DOS” - Duración 2:09
REPERTORIO TRES EN DANZA
Coreografía: Cristina Sterner
Bailarines: Beatriz Barbaces y Juan Vaquero.

2.- “INTERPRETANDO A FOSSE” - Duración 2:55
Coreografía: Begoña Jiménez
Bailarines: Teo Delgado, Charo González,
Rie Pederssen, Sara Méndez, Alicia García,
Raquel García, Cuca Marcos, Yira Bernabé y
Begoña Jiménez.

3.- “VISIONS ARE WORTH FIGHTING FOR”
Duración 5:00
Coreografía: Alexia Krijnsen McLeod
Bailarines: Claudia Salamanca y Alexia Krijnsen.

4.- “EXPERIENCE” - Duración 5:15
ESCUELA TRES EN DANZA
Coreografía: Cristina Sterner
Bailarines: Juan Vaquero, Beatriz Barbaces,
Irene Simón, Ana Palao, Mª José Bartolomé,
Montse Aguilar, Felisa Serrano, Victoria Alonso,
Sonia Agrelo, Ada Ferrán, Cristina Sterner y
Cristina Arnau.

5.- “GAMAN” - Duración 4:30
Bailarinas y coreógrafas:
Xana Llaneza y María Mateo

jueves, 14 de diciembre de 2017

Carlota Ferrer dirige Esto no es La casa de Bernada Alba en los Teatros del Canal

Reportaje completo en www.eter.com

Carlota Ferrer dirige “Esto no es La casa de Bernarda Alba” y nuevamente recurre a la danza en su trabajo. Para mí ha sido muy agradable ver a dos de mis bailarines preferidos, mis dos bailarines preferidos, Igor Yebra y Guillermo Weickert en escena. Cuando veo que en estos tiempos la danza va desapareciendo de los escenarios españoles, ver que los bailarines tienen cabida en las obras de teatro me reconforta mucho. Mencionar también que la bailarina Ana Erdozain ha asesorado en lo referente al movimiento escénico de la obra.

He tomado alguna foto en el pase gráfico y posteriormente durante la rueda de prensa. Espero que os gusten.

NOTA DE PRENSA

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de Esto no es la casa de Bernarda Alba, basada en La casa de Bernarda Alba de Federico Garcia Lorca en versión libre de José Manuel Mora con dirección escénica y coreografía de Carlota Ferrer. Esta obra estará en la Sala Verde del 14 de diciembre al 7 de enero. Una producción de los Teatros del Canal con Draft.inn.

Ferrer y Mora, que formaron ya tándem artístico en la exitosa Los nadadores nocturnos (Premio Max al Mejor Espectáculo Revelación 2015), proponen con este montaje un "canto a la libertad desde la imaginación creadora donde se fusionen imagen, poesía, música y danza".

Eusebio Poncela, en la piel de Bernarda, encabeza un reparto en el que son hombres los encargados de encarnar los principales roles femeninos: Igor Yebra como Josefa; Óscar de la Fuente como Poncia, Jaime Lorente como Adela, David Luque como Angustias, Guillermo Weickert como Criada, Arturo Parrilla como Magdalena y Diego Garrido como Martirio. La actriz Julia De Castro interpreta a Amelia.

Se abre el telón. En un museo se exhibe la obra La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca. Un conjunto de hombres artistas construye una serie de instalaciones plásticas y escenas performativas a partir de la fábula que nos legó el poeta.

"En Esto no es La casa de Bernarda Alba nos hallamos ante la búsqueda de un discurso feminista radical, es decir, que intenta viajar a la raíz: al poner en boca de hombres actores y bailarines las palabras de Federico (en numerosas ocasiones sus personajes manifiestan el deseo de ser hombres para poder gozar de libertad) se evidencia la fragilidad de la mujer ante la visión dominante del orden heteropatriarcal y su gestión del mundo a través del miedo". Así se acercan la directora Carlota Ferrer (codirectora del Corral de Comedias y Premio Ojo Crítico de Teatro 2005) y el dramaturgo José Manuel Mora (Premio SGAE, Premio Max de Teatro, Premio Marqués de Bradomín) a esta versión del clásico de Federico García Lorca.

miércoles, 13 de diciembre de 2017

Silvia Marsó estrena en La Abadía 24 horas en la vida de una mujer

Reportaje completo en http://www.escenamadrid.com/actualidad/noticia.php?id=17072

Llega a La Abadía 24 horas en la vida de una mujer, musical de cámara basado en la célebre novela de Stefan Zweig. La adaptación de Christine Khandjian y Stéphane Ly-Cuong, estrenada con éxito en París, está dirigida en su versión española por Ignacio García, y protagonizada —y producida— por Silvia Marsó, a la que acompañan en escena Felipa Ansola y Victor Masán (o Germán Torres), junto a un ensemble de piano (Josep Ferré / Carlos Calvo Tapia), violín (Gala Perez Iñesta / Silvia Carbajal) y violonchelo (Irene Celestino Chico / Álvaro Llorente).

Además, la música original de Sergei Dreznin, el planteamiento visual de Arturo Martín Burgos en la escenografía, Juanjo Llorens en la iluminación, Ana Garay en el vestuario y Mireia Ros en las imágenes, permitirán al espectador viajar por los casinos de Montecarlo, la Riviera y la Costa Azul, y vivir ese torbellino emocional que apenas dura veinticuatro horas, pero que transforma a los protagonistas para siempre; “días que nos convierten en quienes somos...”

Argumento

Mrs. C una aristócrata que acaba de enviudar, observa en el casino de Montecarlo a un jovencísimo jugador que esa noche pierde todo su dinero en la ruleta. Desesperado el joven abandona el casino y ella, tras se­guirlo, consigue evitar su suicidio. Compasiva le ofrece pagar su alojamiento esa noche y darle una canti­dad para que abandone Montecarlo al día siguiente y pueda saldar sus deudas. Al llegar al hotel el joven se aferra desesperadamente a aquella mujer a la que considera su salvadora y Mrs. C conmocionada y ante el temor de que el joven intente de nuevo suicidarse, decide no separarse de él durante las siguientes 24 horas...

El debate moral

La amistad que mantuvo Stefan Zweig con Sigmund Freud durante años, pudo influir en su obra, para que el proceso psicológico y emocional de sus personajes fuera siempre uno de sus ejes fun­damentales. 24 horas en la vida de una mujer desentraña los misterios de la naturaleza humana y nos muestra cómo el destino puede convertirse en catalizador de un profundo debate moral, cuando los perso­najes se ven enfrentados durante 24 horas a sus propias normas de conducta, las que, hasta entonces, han guiado sus vidas.

Pero en determinadas circunstancias, cuando el azar nos empuja a una situa­ción límite, cuando los sentimientos y las pasiones se escapan a nuestro control... ¿somos capaces de romper esas barreras para conquistar la libertad?

En palabras de Ignacio García, la obra plantea “una visión subjetiva de la pasión, que conduce a los personajes por la senda peligrosa de los deseos más profundos, que tantas veces necesitamos vivir, de forma inconsciente, como una huida de la propia vida”.

El autor

Stefan Zweig (Austria, 1881 - Brasil, 1942) Con­siderado uno de los mejores escritores de su época (Viaje al pasado, Carta de una desconocida, Momentos estela­res de la humanidad), sufrió la represión y el oprobio de ver sus obras prohibidas y reducidas a cenizas por los nazis en la Segunda Guerra Mundial.

La dramática situación de exilio le obligó a llevar una existencia errante (Londres, Bath, París, Nueva York) y aunque cultivó amistad con personalidades como Maxi­m Gorki, Albert Einstein, Rainer Maria Rilke, Auguste Rodin, o Arturo Toscanini; Zweig, incapaz de aceptar el naufragio de su sueño europeísta y profundamente hundido por su prolongado destierro, tomó la decisión de suicidarse en Petrópolis junto a su esposa Lotte en 1942, cumpliéndose este año el 75º aniversario de su muerte.

sábado, 9 de diciembre de 2017

Gala Homenaje en torno a Mariemma

Reportaje completo en www.eter.com

 Raúl Cárdenes es el impulsor de este homenaje que el pasado sábado día 2 pudo disfrutarse en un Teatro Fernán Gómez lleno de bailarines y aficionados a la danza. Sin duda un gran éxito.

Mariemma es un icono de la danza universal. “Aliento para el ejercicio de la buena danza venidera…”. Su “danza estilizada”, creada por ella desde una estricta y rigurosa investigación de nuestro riquísimo Folklore, Escuela Bolera y el Flamenco; y, con una intachable y prolongada trayectoria como primera bailarina, coreógrafa, directora de su propia Compañía y Maestra, merecen este evento como reconocimiento a la memoria que nos ha legado.

Este es el programa que pudimos disfrutar:

MARIANO CRUCETA “Lo más bonito”

Baile y coreografía: Mariano Cruceta
Composición musical y Guitarra (en directo): José Luis Montón
Flauta: Gloria Solera

“Lo más bonito” es una pieza coreografiada por encargo para el espectáculo en activo “Lo nuestro” de los compositores y guitarristas José Luís Montón y Fernando Egozcue. Un intento de plasmar dos estilos diferentes en el flamenco; uno más tradicional y otro más contemporáneo, dentro de la misma obra.

CONSERVATORIO PROFESIONAL DE DANZA “FORTEA”
“Barrocas”

Coreografía: Carlos Rodríguez / Repetidora: Gemma Barreda
Música: José Nieto.
Bailan: Andrea Morena, Candela Lorenzo, Carmen Vallejo, Cristina Pérez, Gema Castejón, Lara Melisa, Leila Albarrán, Lola Rodríguez, María López, María Pascual, Noelia Sola, Patricia Castañeda, Paula Álvarez, Raquel Obradors Vestuario: Carmen Granell

El Conservatorio Profesional de Danza “Fortea” proporciona una preparación académica y profesional, y asegura una formación en danza, que proporcionará el nivel de expresión artística propio de unos estudios especializados, cuya meta será el Ejercicio Profesional. Actualmente se pueden estudiar las especialidades de Danza Clásica, Danza Española y Baile Flamenco. Esta última y nueva especialidad se implantó en el pasado curso 2016/17, siendo el único conservatorio de la Comunidad de Madrid que imparte estas enseñanzas. A través de su Taller Coreográfico realiza montajes de coreografías tanto de repertorio como de nueva creación. Así como funciones tanto Pedagógicas como abiertas al público en general.


BEATRIZ MORCILLO “Granada”

Coreografía e interpretación: Beatriz Morcillo
Música: Isaac Albéniz

“Granada” es un paseo por los sentimientos de su coreógrafa. Partiendo de un momento idílico en el que la felicidad y la serenidad cobran protagonismo, se topa con la realidad y se ve inmersa en una situación de angustia y tristeza. Las ganas de encontrarse en ese principio (y no poder por las adversidades de la vida) toman el control, luchando por reponerse y superarlas para volver a esa felicidad ansiada.
Beatriz Morcillo. Titulada en danza española por el RCPD "Mariemma" de Madrid y en Pedagogía de la Danza por el Conservatorio Superior de Danza "María de Ávila" de Madrid. En 2011, tras formar parte de compañías como la de Danza Española de “Aída Gómez”, “Ibérica de Danza”, “¿Y por qué no? Danza- Gemma Morado”..., inicia su propio proyecto, Aire Nuevo Danza, donde ejerce de bailarina, coreógrafa y directora artística. Tras su primer espectáculo "De ayer a Hoy", acaba de estrenar su obra más ambiciosa, "Don Quijote de la Mancha" una adaptación del célebre ballet de Petipá bajo el lenguaje de la danza española.


REAL CONSERVATORIO PROFESIONAL DE DANZA “MARIEMMA”
"De vieja usanza"

Coreografía: Manuel Díaz
Música: Joaquín Turina
Intérpretes: Christian Escribano y Mariana García, Exalumnos del RCPD "Mariemma"



PAULA GARCÍA “Castilla”

Coreografía: Mariemma
Música: Isaac Albéniz
Intérprete: Paula García

Mariemma coreografió piezas en las que introdujo el conocimiento de la escuela bolera, el flamenco y el folklore y las unió con la técnica de la danza clásica. “Castilla” es una estilización de los verdiales manchegos (baile regional) y de la escuela bolera.


CONSERVATORIO PROFESIONAL DE DANZA “CARMEN AMAYA” “Alalá”

Coreografía: Cristina Visús y Rocío Espada Música: Luar Na Lubre Bailan: Alba Tabernero, Andrea Domínguez, Andrea Gaitán, Alejandro Linares, Joan Fenollar, Leire Sarro, Lorena Zarca, María Guzmán, Nuria Rodríguez, Patricia Chacón, Raquel Carbón, Sandra García
Dirección: Ángela Mendoza Cano

El título de la coreografía es un homenaje a los cantos considerados más antiguos, puros y más característicos de la música tradicional gallega. Los Alalás son por encima de todo, la expresión de la “saudade” que tanto caracteriza a la forma de ser gallega. Esta coreografía permite la combinación de estilos y pasos, conjugando el modo tradicional del pueblo con la libertad creativa utilizada en ella. “Dedicado a la memoria del Maestro Juanjo Linares”

El Conservatorio Profesional de Danza “Carmen Amaya” pertenece a la Consejería de Educación e Investigación de la Comunidad de Madrid. Inaugurado en 2002, es el centro más joven de la capital. En él se pueden cursar las Enseñanzas Elementales y las Profesionales de Danza, en sus especialidades de Danza Clásica y Danza Española. En nuestro Centro, además de proporcionar una formación de gran calidad, se fomenta la danza a través de espectáculos realizados tanto en nuestro Teatro-Auditorio como fuera de él.


CRISTINA AGUILERA
“Danza de los ojos verdes”

Coreografía: Mariemma
Intérprete: Cristina Aguilera (cedida por el Ballet Nacional de España)
Música: Enrique Granados, Piano: Miguel Ángel Recio, Violín: Piotr Witkiwski, Contrabajo: Nigel Benson
Maestra repetidora: Mariló Uguet
Vestuario: Carmen Granell

Una de las piezas más emblemáticas de Mariemma, que fijó esta coreografía de la obra que dedicara Enrique Granados a Antonia Mercé "La Argentina", la gran mentora de la bailarina iscariense.


DAVID SÁNCHEZ
“Danza IX”

Coreografía: Antonio Pérez
Compositor: Enrique Granados
Intérprete: David Sánchez

La Danza IX de E. Granados, compositor esencial de la historia de la música española, comparado con Chopin, Schubert, Schumann, etc., recoge las características fundamentales de las notas españolas, en la que es inspirado Antonio Pérez, creador de esta pieza compuesta específicamente para el intérprete David Sánchez. Es una coreografía representativa de la danza estilizada española, conservando la raíz y evolucionando el estilo a los tiempos actuales en la que resalta la masculinidad, sensualidad, musicalidad, virtuosismo tanto técnico en el movimiento, como en la precisión del toque de palillos, elemento importantísimo de este género. En este Solo no se pretende argumentar nada más y nada menos que el arte de la danza española.


BALLET CONTEMPORÁNEO DE BURGOS
“Amanecí en tus brazos”

Coreografía, dirección y producción: Alberto Estébanez
Bailarinas: Sara Saiz, Alejandra Miñón
Música: Chavela Vargas
Escenografía y Vestuario: BC-Bu Sl
Iluminación y Sonido: José Antonio Tirado (Pachi)

Ballet Contemporáneo de Burgos S.L. Empresa productora de espectáculos con sede en Burgos y que desarrolla su actividad desde el año 1992. Gestora de numerosos proyectos, sin duda, el Certamen Internacional de Coreografía Burgos - New York, es su máximo exponente. Como compañía pretende desarrollar estrategias de creación e investigación de los diversos lenguajes coreográficos. Sostiene un elenco de 10 bailarines, y en sus instalaciones se dan cita a modo de residencia, coreógrafos de diversas nacionalidades en un ambiente de libertad creativa.

Trabajamos sobre el concepto de la sensibilidad emocional en la mujer. Un aspecto íntimo que lo diferencia del hombre, pequeños matices a veces muy leves pero que especialmente en la danza cobran un significado extraordinario. Esta propuesta es “Amanecí en tus brazos”. Fue estrenada en la Gala de Inauguración del XIII Certamen Internacional de Coreografía Burgos-New York, en el Teatro Principal de Burgos.


CARLOS CHAMORRO
“Triana”
Música: Isaac Albéniz Piano: Alicia de la Rocha Coreografía e interpretación: Carlos Chamorro

Tuve el honor de vivir aquel maravilloso homenaje que en 1990 Mariemma brindó a Antonia Mercè “La Argentina”. Un recuerdo inolvidable unido al aprendizaje dancístico español que marcaron mi carrera. Fue la primera vez que escuché Triana. Hoy quiero sentir esa misma música desde otra mirada y otro siglo, bailando para ella.
Carlos Chamorro. Licenciado en coreografía e interpretación de la danza. Solista y primer bailarín del “Ballet Nacional de España” (2000). Premio al mejor Bailarín Sobresaliente (2012) y Primer Premio de Coreografía a un Solo con la pieza “Córdoba” de Albéniz (2008). Nominado a los Premios Max en categorías de Bailarín Coreógrafo y mejor espectáculo de danza con “Lorca Reloaded”. Fundador de la “Compañía Malucos Danza” desde 2002 (Compañía Residente de Galapagar) desempeñando la labor de Dirección Artística y Coreográfica.


RAFAEL AMARGO
“El Amor Brujo” (Gitanería 1915)

Coreografía: Rafael Amargo
Música: Manuel de Falla y libreto de María Lejárraga y Gregorio Martínez Sierra. Grabación Orquestal: Orquesta Clásica Amadeo Vives, dirigida por Edith Salazar. I-Introducción y Escena
II- Canción del Amor Dolido
III- Canción del Fuego Fatuo
Bailan: Carmen La Talegona y Rafael Amargo
Canta: Mayte Maya Actriz: Sara Vega


CONSERVATORIO SUPERIOR DE DANZA DE MADRID “MARÍA DE ÁVILA”
“Bachiana”

Coreografía: Antonio Pérez Música: J.S. Bach Intérpretes: Cristina Cazorla - Laura Fúnez - Souyung Young

“Todo ocurre con Bach, es el principio y el fin de toda música”
Expone las características más representativas de la escuela bolera, estilo de un gran dominio técnico y artístico que en esta pieza está influenciada, a su vez por la danza barroca.


CÍA. DESANGREYRAZA.
“SxB” (Soleá por Bulerías - Extracto de Arat)

Coreografía: Juanma Prieto
Música: Popular
Bailan: Almudena Roca, Elisa Suárez, Marta Salcedo, Nazaret Oliva, Alejandro Muñoz, Daniel Cabezuelo, Javier Formoso y Juan Manuel Prieto
Vestuario y estilismo: Carmen Granell
Diseño escénico y de iluminación: Carlos Fajardo

Pieza de estilización de flamenco que define a la perfección la visión del espacio y el movimiento en escena de Juanma Prieto y su afán por buscar simplicidad en los pasos dando un mayor valor al dibujo coreográfico.


REAL CONSERVATORIO PROFESIONAL DE DANZA “MARIEMMA”
"Viva Navarra"
Coreografía: Mariemma
Música: Joaquín Larregla
Intérpretes: Lucía Gómez, Exalumna del RCPD "Mariemma"

Mariemma estrena esta coreografía en 1955. De las más aplaudidas y que refleja la estilización del folclore navarro. Pieza emblemática de su repertorio que el público puede volver a disfrutar en el Centenario de su nacimiento.


VÍCTOR MARTÍN Y DANIEL RAMOS
“Tiempos diferentes”

Compositor de la música: Israel Manzano García Diseño de espacio sonoro, escenografía, luces y vestuario: Víctor Martín y Daniel Ramos Realización de vestuario: Víctor Rodríguez Realización de escenografía: José Ángel Capel y José Manuel Alarcón Técnico de sonido: Laura Fúnez Bailarines: Víctor Martín y Daniel Ramos (cedidos por el Ballet Nacional de España)

Tiempos diferentes surge de la idea de dos jóvenes que quieren mostrar una escuela bolera totalmente adaptada a nuestros tiempos, utilizando un gran control técnico, lleno de fuerza y virtuosismo. Para ellos, poder mostrar esta creación es muy importante ya que es uno de nuestros orígenes de la danza española que cada vez se ve menos. Crean la pieza a través de 3 partes, una primera presentación con utilización de castañuelas y la esencia de la escuela bolera. Después se atreven a sacar un mantón y un abanico, con los que juegan a bailar. Y por último, volver a mostrar la escuela bolera, pero más actual.


MAYTE BAJO
“Danza de la Gitana”

Baila: Mayte Bajo
Coreografía: Mariemma
Música: E. Hälfter. Violín Encores: Perlman

Esta coreografía, Mariemma la estrenó en los años 40 en Valladolid, hace 77, (se la vió bailar a Antonia Mercé cuando era pequeña), la volvió a reponer en el Homenaje de Antonia Mercé "La Argentina" en 1990 en el T. María Guerrero de Madrid.


LOLA GRECO
“Córdoba”

Coreografía, desde la original de Mariemma, e interpretación: Lola Greco Música: Isaac Albéniz

Al principio de la partitura de “Córdoba”, Isaac Albéniz escribió lo siguiente: “En el silencio de la noche, que interrumpe el susurro de las brisas aromadas por los jazmines, suenan las guzlas acompañando las Serenatas y difundiendo en el aire melodías ardientes y notas tan dulces como los balanceos de las palmas en los altos cielos.” Albéniz (1860-1909), un símbolo del renacer de la música española en Europa a principios del siglo XX, empieza esta obra con una meditación sobre lo que pudiera ser el sonido de las campanas de la mezquita-catedral, y nos trae a la memoria la Córdoba del S. XI, esa ciudad multicultural considerada la más avanzada y opulenta de toda Europa...

viernes, 24 de noviembre de 2017

La metamorfosis de Titoyaya/Gustavo Ramírez en La Abadía. Festival Madrid en Danza

Reportaje completo en www.eter.com

Una pieza interesante en la que la música y la escenografía tienen una gran relevancia en el resultado final del producto.

Destacar la excelente ejecución de los intérpretes.

SINOPSIS
"Es un concierto de personajes a la deriva, magníficamente bailado, en el supuesto mundo de lo normal".
Jordi Sora. Escena de la memoria.
La Metamorfosis planteada por Gustavo Ramírez se centra en los personajes secundarios de la célebre obra de Franz Kafka. La construcción coreográfica profundiza y gira en torno a las evoluciones de dichos personajes, en torno a sus metamorfosis, que no son más que el viaje particular de cada uno de ellos hacia la animalidad, quedando finalmente despojados de las connotaciones y de los atributos más básicos de la condición humana. Cualquier rastro de amor, compasión, empatía o perdón va a ser erradicado de la relación que se construye entre ellos a lo largo de la pieza.


Teatro de la Abadía
Sala José Luis Alonso
24 y 25 de noviembre
19:30 h

FICHA ARTÍSTICA
Dirección: Gustavo Ramírez y Verónica García
Coreografía: Gustavo Ramírez Sansano
Espacio escénico: Luis Crespo
Diseño de iluminación Pedro Hurtado y Gustavo Ramírez
Intérpretes: Loretta D'Antuono, Paula Serrano, Verónica García Moscardó, Jure Gostincar, Itxasai Mediavilla y Xavier Martí
Música: VVAA
Imagen: Itxasai Mediavilla
Fotografías: Alberto Rocafull
Textos: Tatiana López y Luis Forteza Piera
Vestuario: Pascual Peris, a partir de Fondos CulturArts
Producción: Proyecto Titoyaya. Espectáculo creado en Residencia en CulturArts Generalitat Subdirección Teatro y Danza. Colabora la Regiduría de Cultura de Rocafort

Arte y Fantasía - Tangueteando

Reportaje completo en http://www.escenamadrid.com/actualidad/noticia.php?id=17071

El vigésimo noveno encuentro Arte y Fantasía ha reunido al célebre humorista argentino Rudy Chernicof, con una artísta muy versátil, Claudia Bedacarratz, actriz y bailarina de gran sensibilidad.

Tangueteando es un paso a dos en el que el humor, la danza y la interpretación se turnan y se mezclan dando como resultado un gran espectáculo.

Ya he comentado alguna vez sobre los encuentros Arte y Fantasía y el ambiente tan extraordinario que consiguen. Hace tiempo que acudo a los encuentros que se programan en la calle Luna con la certeza de que seré absorbido por este ambiente artísticointelectocultural que se crea en cada ocasión.

El espectáculo Tangueteando podrá verse la próxima primavera en Valencia. Ya informaré de otras plazas según me las comuniquen.





Estudio Luna
C/ de la Luna 19, 1ºA


lunes, 13 de noviembre de 2017

La Reina de las Nieves El Musical

Reportaje completo en www.eter.com

Este cuento de hadas de Rafel Brunet nos cuenta la verdadera historia de "La Reina de las Nieves".

Las princesas Edelweis y Anastasia son separadas desde pequeñas por el malvado archiduque de Moldavia que pretende gobernar su reino.

Disfrutaremos en directo de la aventura que emprenden las dos hermanas para reencontrarse.
Inspirada en el cuento de Hans Christian Andersen "Snedronningen", es una gran producción original apta para todos los públicos, con formato espectacular, divertido y mágico.Escenografía, vestuario y efectos especiales impactantes con un equipo de 12 actores con cantantes y bailarines que harán disfrutar a toda la familia.

Con la música original de Jaume Carreras

domingo, 12 de noviembre de 2017

Éter, el Quinto Elemento

Reportaje completo en www.eter.com

Tras el éxito nacional e internacional de 100% Burbujas, llega el nuevo espectáculo teatral de pompas de jabón de la compañía Bubble Factory, con números únicos en el mundo jamás realizados antes. La obra completa dura 80 minutos y está pensada para todos los públicos por su visualidad artística y su humor (distribuida por Sketch Eventos).

También se pueden contratar nuestros números sueltos para galas, publicidad o cualquier evento privado.


Una creación de David Vega, dirigida por Juanfran dorado (Cía Yllana)

sábado, 11 de noviembre de 2017

Circo de sastre en Naves Matadero

Reportaje completo en www.eter.com

Durante dos interminables horas, dos músicos, un sastre y un iluminador ocupan un escenario oscuro, presentando al público una performance en la que los dos músicos interpretan “música/ruido” de variada calidad mientras el sastre les va anudando telas en sus cuerpos.

Me ha parecido inaguantable. No me extraña que Matadero sea una ruina desde que cambió la dirección artística.


NOTA DE PRENSA

Se estrena en Naves Matadero el espectáculo de los japoneses Circo de sastre. Un montaje que sale por primera vez de Japón y que ofrece un nuevo género, inventado por sus protagonistas, que aúna un concierto en directo con la creación de paisajes con telas, luces y sombras y que va dirigido a todos los públicos.

Cada día los artistas nipones generan un espectáculo diferente gracias a la improvisación musical, y a los nuevos diseños de escenografía que, con ayuda de una máquina de coser y tijeras, se van construyendo ante los ojos del público. Un circo de sonidos, tejidos y luz que, con el movimiento de las telas, la creación de luces y sombras, con ruidos, silencios, música, etc., traslada al espectador a un mundo fantástico.

Fundado en 2014 por Daigho Soga y Gandhi Nishigaki (músicos de CINEMA dub MONKS), junto con el diseñador de moda Suzuki Takayuki y Watanabe, artista de la iluminación, utilizan todos los recursos a su alcance para crear escenarios e historias mientras manejan las emociones de quienes les observan.

Suzuki crea con telas la escenografía en directo con su máquina de coser o baila vistiendo el espacio. Daigho y Gandhi improvisan un paisaje musical con instrumentos fabricados por ellos y otros tradicionales al tiempo que Watanabe modifica las percepciones del ojo humano creando magia con la luz.

Así lo explican ellos: “Utilizamos manualmente todo lo que existe a nuestro alcance: el espacio, la música, la luz, la sombra, la ropa, etc. para conquistar el instante que mueve el corazón de una persona. Buscamos las raíces de métodos expresivos universales (y novedosos) que puedan mantenerse durante siglos, incluso después de que desaparezcamos. Queremos que nuestro público se divierta sin que sepa poner palabras a lo que ha visto o experimentado. Que regresen a la infancia. Queremos hacer que la gente se sienta libre y salga queriendo vivir su vida con libertad”.


Multi instrumentista: Daiho Soga (Cinema Dub Monks)
Wood Bass: Gandhi Nishigaki (Cinema Dub Monks)
Diseñador de moda y sastre: Takayuki Suzuki
Iluminación: Takashi Watanabe

viernes, 10 de noviembre de 2017

Cuéntaselo al polvo. Danza de alta calidad en La Mirador

Reportaje completo en www.eter.com

Hace unos días tuve el privilegio de conocer al director y algunos de los intérpretes de esta compañía.

Fue en una rueda de prensa que devino en entrevista ya que, como suele suceder cuando la rueda no la convoca alguno de los “círculos de poder” que empequeñecen la danza en la Comunidad de Madrid, estaba yo solo en la zona de informadores de prensa. Podéis ver el vídeo de la entrevista en este enlace: http://www.eter.com/actualidad/noticia.php?id=18398

Ayer asistí al estreno de la obra “Cuéntaselo al polvo”, también estreno de la compañía, y pude comprobar que las esperanzas que tras la entrevista me había hecho estaban muy justificadas.

Un trabajo impecable de danza en la que los cinco intérpretes, tres bailarinas, una actriz y un bailarín brillan individualmente y brillan en conjunto.

Eduardo Vallejo Pinto nos presenta un código dancístico muy físico, y muy alejado de lo que solemos ver en los escenarios madrileños, con el que consigue llegar al público. La obra transmite emociones que hacen que el público viva la obra.

Excelentes la sencilla pero eficaz escenografía, el cuidado vestuario, el espacio sonoro…

Una mención especial para la iluminación, a cargo de Kira Argounova, que me ha hecho feliz como espectador y como fotógrafo. Kira huye del tenebrismo habitual y, sin dejar de presentar escenas oscuras cuando la coreografía lo pide, permite apreciar el trabajo de los intérpretes, el vestuario, la escena…

Espero que se den oportunidades a esta compañía que aún no tiene nombre y que seamos muchos los que podamos disfrutar de este trabajo y de futuras coreografías.

Recomiendo la obra sin ninguna duda.

SINOPSIS

Cuéntaselo al polvo es una obra de danza contemporánea en la que movimiento y palabra cobran vital importancia para crear un universo sensorial en el que ambos elementos se conjugan a la perfección. La pieza, en la que además de Eduardo intervienen otras cuatro intérpretes, describe momentos vitales por los que transita su protagonista.

Por un lado, la impronta de su cruda realidad, angustiante y difícil de sobrellevar. Por otro, la percepción de ésta, atravesada por los fantasmas de su pasado y de su presente. Enfrentadas realidad y percepción, ambas lucharán por instaurarse en un juego de opuestos para decidir quién es mejor para él/ella.

Cuéntaselo al polvo es el resultado de un intenso viaje emocional, de conocimiento y autoconocimiento, y es el debut en la dirección de Eduardo Vallejo Pinto, joven coreógrafo y bailarín nacido en Mieres (Asturias) que ha decidido dar el salto definitivo en su carrera con este proyecto.

Formado principalmente en danza clásica y contemporánea en Europa y Oriente Medio, ha trabajado para algunas de compañías de referencia nacional e internacional como: la Dana Raz Dance Projects (perteneciente a la prestigiosa Kibbutz Contemporary Dance Company) y en Martz Contemporary Dance Company, perteneciente al Cirque du Soleil. Actualmente también forma parte de la junta directiva de la Asociación de Profesionales de la Danza de la Comunidad de Madrid con actividad en la Plataforma en Defensa de la Cultura.
Dirección
Eduardo Vallejo Pinto
Reparto
Isabel Berlanga, Claudia Fernández, Michela Lanteri, Maddi Ruiz de Loizaga y Eduardo Vallejo Pinto

Asistente de producción: Diego Cabia
Música: Fernando Nequecaur
Texto: Isabel Berlanga
Coaching: Fran Arraez
Diseño de vestuario: Clara Garrido (AAPEE)
Diseño de luces: Kira Argounova
Responsable de prensa y comunicación: Ana Mª Caballero Botica

viernes, 3 de noviembre de 2017

La Verità de la Compagnia Finzi Pasca

Reportaje completo en www.eter.com

Obra creada en torno al telón original Tristan Fou pintado por Salvador Dalí en Nueva York durante los años 20, La Verità empuja al límite las destrezas físicas de la compañía, en un despliegue de imágenes sorprendentes, sombras que juegan a su antojo, equilibrios imposibles; plumas y lentejuelas…

El lenguaje de la acrobacia, del teatro físico, puede fácilmente conquistar el territorio donde no es ni día ni noche, donde la luz no toca la realidad pero la dibuja, la inventa, la reinventa. Excita nuestro inconsciente haciéndonos ver paisajes interiores que parecen más verdaderos que lo real. ¿Las pinturas de Dalí reflejan exteriores de día o de noche? La respuesta: ni uno ni otro. Las imágenes de Dalí pertenecen a otra dimensión, la de los sueños.

Durante tres años, el telón original pintado por Salvador Dalí Tristan Fou era parte del espectáculo. Hoy en día, una replica del telón está presente en el espectáculo. ©Salvador Dalí, Fundación Gala-Salvador Dalí.

Provisional Danza. Tiempo de conversación en la Cuarta pared

Reportaje completo en www.eter.com 

Sobre la soledad trata esta coreografía que nuevamente nos muestra a una Carmen Werner irónica, trascendental e imprescindible.

Hacer fotos de Provisional danza es un placer, en cada momento ves una ocasión. No pude captar una extraordinaria caída a empeine desde un salto de Alejandro Morata porque había desnudos en escena y por respeto a las bailarinas había dejado mi cámara, pero les aseguro que es algo que nunca había visto, por riesgo y por perfección en su ejecución.

Cristian López es un excelente bailarín, pero también es un gran actor que sabe dar a sus expresiones el cariz necesario al momento del personaje.

Tatiana Chorot ha madurado con elegancia y su presencia escénica es impresionante. Aún recuerdo cuando la vi bailar por primera vez en una plaza de Carabanchel y como pregunté a mi acompañante cual era su nombre para seguir su trayectoria que preveía importante.

De Laura Cuxart sólo voy a repetir algo que ya dije cuando supe que había entrado en el elenco de Provisional Danza. “Desde que la conocí supe que tenía que bailar con Carmen Werner”.

La compañía cumple treinta años, sus primeros treinta años, y aprovecho para felicitar a Carmen y a todos los bailarines y bailarinas que ha pasado por la compañía en este tiempo.

SINOPSIS

“Me llamo Carmen Werner, y podría confesarlo todo con una palabra. Pero hago honor a mi historia con todas las mujeres que me sostienen, y una sola palabra sería un coito interrumpido, incluso me atrevería a decir una injusticia, si es que esta palabra tiene hoy día algún valor.

…Pensándolo bien voy a decir que no contar esta historia como lo voy a hacer sería como ir a una gran fiesta de gala con ropa de saldo y a mí me han enseñado que en la vida es muy importante saber estar y hacer lo que a cada uno le toca, ¿a ti no?…

Este es un acto de honra a lo que me ha tocado y se me fragmentaría el cuerpo como un puzzle si no dejara salir este homenaje.

Bailaré y todo lo que baile estará en diagonal (y fragmentado), y ya veréis por qué.

Ellos y ellas están conmigo, como partes de un único cuerpo que no puede hablar, cerrado entre las piernas y la garganta. Sólo son extremidades que se azotan el aire, lanzando gritos al universo. Acordaros, en diagonal, siempre en diagonal.

Acompañaré esta historia con algún desnudo al fondo, para que evoques en tus pensamientos el placer y el dolor de la carne.”

La compañía Provisional Danza, dirigida por Carmen Werner obtiene numerosos reconocimientos a nivel nacional e internacional, convirtiéndose en Premio Nacional de Danza en el año 2007.

Es una de las bailarinas y coreógrafas más reputadas en el panorama actual y desde la Fundación que ella misma dirige, promueve la difusión y el reconocimiento de la danza contemporánea en nuestro país.


Intérpretes: Tatiana Chorot, Laura Cuxart, Cristian Lopez, Alejandro Morata, Carmen Werner
Ayudante de Dirección: Tatiana Chorot
Ayudante de Dramaturgia: Daniel Abreu
Clases de voz: Antonio Sarrio
Repetidor: José Luis Sendarrubias
Música: Luis Martinez
Edición musical: C.Werner
Diseño de luz: Pedro M. Fresneda
Vestuario: Luis Alonso
Coreografía y Dirección: C. Werner

miércoles, 1 de noviembre de 2017

Amor, locura y muerte de Provisional Danza en la Cuarta Pared

Reportaje completo en www.eter.com

Una historia de relaciones extremas cuyos personajes juegan permanentemente con la muerte auto inflingida. Nuevamente Carmen Werner incluye en su compañía a bailarines de otros países y nuevamente consigue excelentes resultados.

Todos los bailarines están geniales en sus respectivos papeles, pero menciono especialmente a Alejandro Morata de cuyo trabajo en escena, sutil y potente a la vez, me declaro nuevamente rendido admirador.

Muy recomendable.

SINOPSIS

Amor, locura y muerte está inspirado en los cuentos de Horacio Quiroga, escritor Uruguayo, ”De amor,de locura y de muerte.” Un trabajo comprometido donde los personajes atraviesan momentos extremos en su relación.

“Escapar a la vida no significa huir, sino tratar de cristalizar un momento, hacer que dure para siempre, volvernos eternos en ese ideal perenne. Escapar a la vida es buscar esa felicidad ingrávida que sólo hayamos cuando amamos, soñamos o estamos muertos.” J.Sendarrubias

La compañía Provisional Danza, dirigida por Carmen Werner obtiene numerosos reconocimientos a nivel nacional e internacional, convirtiéndose en Premio Nacional de Danza en el año 2007. Es una de las bailarinas y coreógrafas más reputadas en el panorama actual y desde la Fundación que ella misma dirige, promueve la difusión y el reconocimiento de la danza contemporánea en nuestro país.


Intérpretes Uruguayos: Andrea Salazar y Gonzalo Decuadro
Intérpretes Españoles: Taiana Chorot, Laura Cuxart, Cristian Lopez, Alejandro Morata
Banda sonora: C.Werner
Coregrafía y Dirección: C. Werner

lunes, 30 de octubre de 2017

DANSOFFPROYECT programado en Matadero de Madrid [vídeo]

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#DANSOFFPROYECT presentó ayer en Matadero de Madrid un programa de danza. Lo hizo en la emblemática Nave 16 a las 12:30h dentro de las actividades del Festival TRANSEUROPA.

"TRANSEUROPA" Festival es un evento artístico, cultural y político organizado por "European Alternatives" desde 2007. Transeuropa atrae a participantes activos de toda Europa, a través de un evento descentralizado en una ciudad. Para la edición 2017, Convergent Spaces, la ciudad elegida es Madrid.

"DANS OFF PROYECT" Es un proyecto colaborativo entre artistas que desarrollan su trabajo a través de diferentes disciplinas como son; la danza, la fotografía, las artes plásticas y el vídeodanza. Nuestro enfoque es entender la cultura como un derecho universal que a través de la práctica artística sirva como herramienta para la comunicación, la interrelación, la expresión y la transformación social.

La programación de "Dans Off Proyect" en el festival "TransEuropa 2017":

- "TSUNAMI" de Tatiana Carel
Coreografía y interpretación: Tatiana Carel.
Sinopsis: El cuerpo de una mujer siempre ha sido un espacio político. Sobre él se debate y se legisla. Entre obligación y prohibición, cual es su espacio de decisiones sobre su propio cuerpo…Era un domingo, hacía sol y ella todo lo que quería era bañarse un poco…

- "VIDA" de Pepa Cabezas Gallego
Coreografía y interpretación: Pepa Cabezas Gallego
Sinopsis: Una mujer que quiere salir de la más completa oscuridad, en un nuevo aprendizaje lleno de sensaciones, contradictorias, bloqueos y incomprensiones. Con el anhelo del no saber a dónde va pero al final en esa búsqueda descubre una nueva vida... una nueva libertad.


"DANS OFF PROYECT" Está organizado por la "Asociación Primario", la idea y dirección por Javier Mosquera de la Vega. Primario es una asociación cultural dedicada a la creación de proyectos en los que se unen danza, música, expresión plástica y el campo audiovisual. Su enfoque es entender la cultura como un derecho universal que a través de la práctica artística sirva como herramienta para la comunicación, la interrelación y la expresión.

sábado, 28 de octubre de 2017

Del infierno al paraíso, de Nogravity Dance Company

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Las mujeres y los hombres, terrestres y divinos, mortales e inmortales de los que Dante narra en la Divina Comedia no son cuerpos, sino inteligencias, memorias, visiones, deseos, ideas: almas. Y las almas no pesan. Esta intuición física y poética es el punto de apoyo desde el que emprende, literalmente, el vuelo el montaje de Emiliano Pellisari.

Sobre el escenario los bailarines acróbatas se mueven, vuelan en el aire y crean figuras irreales. Inspirado en las maravillas del teatro barroco y sostenido por los actuales recursos tecnológicos, esta performance total es una encrucijada entre magia, ilusión y nouveau cirque.

En Del infierno al paraíso, el viaje se desmaterializa poco a poco: las referencias, que nunca son realistas, al principio se reconocen en los episodios y en los diferentes protagonistas del poema, para luego adquirir una transformación menos evidente. Y en el mismo tiempo, cada vez más puro es el corazón visual del espectáculo, en la comprensión y restitución del progresivo extravío de sí del hombre Dante, prevaleciendo un estupefacto sentir espiritual, de una suspendida y cándida ligereza del ser.

Emiliano Pellisari basa su trabajo en el sueño del hombre de volar y de llegar más allá de toda comprensión y su personal estilo se inspira en estudios previos del teatro griego y del Renacimiento, y en su pasión por los inventos mecánicos fantásticos.

Toda la obra de Pellisari se produce en su taller de teatro donde se crean la maquinaria teatral y las coreografías. El trabajo creativo de Pellisari se basa en la convicción de que el arte debe, ante todo, transmitir emociones a través de la belleza, el sueño y la sorpresa.

Una creación de Emiliano Pellisari

Coreografía: Emiliano Pellisari y Mariana Porceddu

Bailarines: Seis bailarines acróbatas

Música (repertorio clásico y contemporáneo): Bach, Rossini, Sibelius, Stravinsky, Meredith Monk, Steve Reich

Arreglos: Emiliano Pellisari Studio

Recitadores: Gianni Bonagura, Laura Amadei, Carla Ortenzi y Marion Chiris

Vestuario, atrezo y diseño de luces: Emiliano Pellisari

miércoles, 18 de octubre de 2017

Daniel Abreu presenta su último proyecto La desnudez

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Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de La desnudez, dirigido y coreografiado por Daniel Abreu e interpretado por el mismo y Dácil González. Este espectáculo, coproducido por Teatros del Canal y Festival Danzatac, estará en la Sala Negra en cuatro únicas funciones, los días 19, 20, 21 y 22 de octubre. Este nuevo trabajo de Abreu forma parte de la nueva programación de Teatros del Canal, una nueva etapa enfocada a la creación contemporánea y que consolida una programación estable de danza.

Sobre este espectáculo en el que trabaja mano a mano con Dácil González, Abreu comenta: “Dácil y yo llevamos unos 2 años pensando en este trabajo. Comenzamos sin nombre ni camino. En cada encuentro ahondábamos en viajes sin guía, con bailes cada vez más extraños, y sorpresas no clasificables como lo que se encuentra al final de los cajones que no se visitan hace tiempo. Dos años con la tierra en barbecho y en esto encontrando más belleza en las cosas, belleza que surge de cada lugar, de cada espacio, de cada pensamiento… por si sólo, sin contagios.

Este trabajo podría titularse perfectamente “geografía”, porque trata de recomponer y revisitar lo que hay, ya sea una cuerpo material o un impulso. Lo hacemos desde la danza, y es que no por estar más mayores vamos a dejar de movernos, es más, casi el cuerpo de los cuarenta años pide moverse más, construir con los últimos alientos de la energía reproductiva. Y es que la danza yo ya no sé explicarla.

El material coreográfico se mueve entre el amor y la muerte, con cambios rápidos de las dinámicas que hablan de muchos ojos mirando la misma cosa. Y es que este trabajo va de eso, de sugerir un paseo entre el amor y la muerte. Un hombre y una mujer se mueven y van tocando. Van construyendo algo líquido, muy acorde con la sociedad moderna. Habrá que empezar por desnudarse, pero no el cuerpo, habrá que desnudar las formas, y entender la geografía de donde se está”.

La compañía afincada en Madrid y dirigida por Daniel Abreu surge en el año 2004 y hasta la fecha ha recorrido varios países en América del Norte y del Sur, Europa, Asia y el Norte de África. Su trabajo reconocido por el público y la prensa le han dado un lugar en el panorama de la danza contemporánea en el que se ha destacado el personal lenguaje, por el que a Daniel Abreu se le otorga el Premio Nacional de Danza en el año 2014 en la categoría de creación. Son muchos los bailarines españoles que han ido enriqueciendo el lenguaje de la compañía con sus interpretaciones en obras como Animal, Venere o Perro. Daniel Abreu, creador de estos trabajos, ha creado cerca de 60 obras en poco más de diez años de existencia de la compañía. Las obras se mueven desde lo más teatral a lo más bailado, teniendo siempre una gran fuerza la fotografía escénica.

Daniel Abreu, bailarín y coreógrafo, nace en la isla de Tenerife donde comienza su curiosidad e interés por el movimiento físico y la expresión escénica. Además, durante su formación artística se licencia en Psicología, lo cual ha estado muy presente en sus trabajos coreográficos a través de una cuidada simbología poética. Como intérprete, ha desarrollado su trabajo en distintas compañías y colectivos de danza y teatro del panorama nacional y como creador, atesora una dilatada trayectoria creativa dibujada por más de cincuenta producciones, que han podido verse en muchos países, donde han sido reconocidas por crítica, público y diversos galardones, situándola en una de las más destacadas agrupaciones de la actualidad dancística desde hace años. Su proyecto de compañía surge casi imperceptiblemente en el año 2004, siendo el volumen de creaciones y de colaboraciones lo que dieron lugar al concepto de lo que hoy conocemos como Cía. Daniel Abreu.

Como consecuencia de todo este trabajo creativo, Daniel Abreu ha sido invitado a impartir diferentes talleres y cursos, en los que comparte su visión creativa y de herramientas técnicas corporales y de expresión. Paralelamente continúa cercano a otras realidades creativas, como la de dirigir proyectos para otras agrupaciones y creadores como Fattoria Vittadini, Zagreb Dance Company, la Compañía Nómadas, Proyecto Titoyaya y el Teatre Tanca Zawirowania, entre otras. En el año 2011 entra a formar parte del prestigioso grupo de artistas que conforman el programa europeo Modul Dance.

Dácil González, natural de Las Palmas de Gran Canaria, realiza los Estudios superiores de danza en la especialidad de coreografía y técnicas de interpretación de la danza. Desde 1998 ha trabajado para la Cía. 10 &10 Danza, el Staatstheater Darmstadt (Alemania), La Piel Danza (Madrid), la Compañía de Teatro Els Visitants (Castellón) y la Compañía Arrieritos (Madrid), entre otras.

sábado, 14 de octubre de 2017

Lasala - N O W - Teatro Conde Duque

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Un paréntesis en el tiempo. Un espacio donde reflexionar sobre las expectativas creadas tiempo atrás y sobre lo realmente logrado.

Esta coreografía, obra de Judith Argomaniz, se estrena en Madrid.

Formada en el Institut Del Teatre y el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, Argomaniz ha formado parte de las compañías Ballet Biarritz Junior y Amaury Dance Company y ha interpretado obras de Nacho Duato, Thierry Malandain, La Macana y Shlomi Bitton entre otros.

En 2017 recibió el Premio Revelación por la Asociación de Profesionales de Danza de Gipuzkoa “por su potencial con un futuro prometedor en el mundo de la coreografía e interpretación”.

En el ámbito del cine colaboró en la película DANTZA, del cineasta Telmo Esnal. También ha recibido encargos e invitaciones de compañías como Dantzaz Konpainia o Cie BIVOUAC.

LASALA

Compañía de danza contemporánea dirigida por Judith Argomaniz, se centra en la continua indagación por generar un lenguaje físico y una estética actual, queriendo atender y reflejar las inquietudes del equipo. La compañía fue creada en 2013 y desde entonces varias de sus creaciones han sido reconocidas con primeros premios en el Concours Chorégraphique Contemporain Jeunes Compagnies – Les Synodales, Sens o el Certamen Internacional de Danza y Artes Escénicas Ciudad de Alcobendas, entre otros.

www.lasala-lasala.com

Dirección y coreografía: Judith Argomaniz
Asistente coreográfico: Jaiotz Osa
Intérpretes: Carla Diego, Sergio Moya, Rafke Van Huoplines, Jaiotz Osa, Garazi Etxaburu, Ángela Arrieta, Jean Baptiste Tolosana
Diseñador de luz: Gabo Punzo
Director técnico/ iluminación: Álvaro Estrada
Diseño de vestuario: Xabier Mújika
Escenografía: Ionpa Martikorena
Vídeo: Marta Diego

jueves, 5 de octubre de 2017

POETAS DEL CUERPO - La danza de la Edad de Plata

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Desde hoy y hasta el día 1 de abril de 2018, la Residencia de Estudiantes acoge la exposición Poetas del cuerpo. La danza de la Edad de Plata que, organizada conjuntamente con Acción Cultural Española (AC/E), da visibilidad a las redes creativas interdisciplinares que surgieron alrededor de la danza durante estos años.

Esta muestra, comisariada por Idoia Murga Castro, profesora de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid, pretende reflejar cómo en aquellos años, coreógrafos, bailarines, músicos, escritores, fotógrafos, pintores y diseñadores encontraron en el escenario un espacio de intercambio sobre el que explorar con las estéticas más modernas y vanguardistas, tanto dentro como fuera de España. Los Ballets Rusos, Falla, Lorca y Argentinita son algunos de los protagonistas de esta panorámica que abarca un amplio abanico de estilos, desde el ballet clásico al flamenco y la danza moderna.

La exposición cuenta con más de 300 piezas incluyendo fotografías, libros, maquetas, vestuario, documentos y una selección de obra plástica. El conjunto de obra plástica incluye una nómina de artistas como Salvador Dalí, Pablo Picasso, Ignacio Zuloaga, José Caballero y Julio Romero de Torres entre otros. Asimismo, se incluyen numerosos audiovisuales, alguno inédito, y una selección de vestuario de época pertenecientes a bailarines como Antonia Mercé, la Argentina, Vicente Escudero o Miguel de Molina entre otros.

Entre los más de 50 prestadores de la muestra se encuentran instituciones como el Museo Reina Sofía, el Museo del Teatro, el Institut del Teatre y Museo de Artes Escèniques, el Museo Sorolla, la Biblioteca Nacional y la Filmoteca Española, entre otros muchos. Así, como piezas inéditas del Archivo de la Residencia de Estudiantes y de colecciones particulares.

La exposición

La exposición Poetas del cuerpo. La danza de la Edad de Plata está estructurada en cuatro grandes ámbitos, que responden a criterios cronológicos. El relato se inicia en la bisagra de los siglos XIX y XX , para situar al visitante en el panorama cultural en el que se imbricaban la danza clásica y académica del Teatro Real y el Liceo, así como otro tipo de vertientes escénicas, desde las variedades hasta el flamenco de los cafés cantantes. La llegada en 1916 de los Ballets Russes de Diaglilev en la primera de sus giras por España constituiría un punto de inflexión en la historia de la danza, sirviendo de modelo colaborativo entre bailarines, literatos, músicos y pintores. La circulación de otras compañías extranjeras y las nuevas propuestas ofrecidas por creadores e intelectuales españoles supusieron el revulsivo necesario para el inicio de una danza nueva a mediados de los años veinte. Aunque en 1925 el cierre del Teatro Real afectó negativamente a la evolución de la danza clásica, que lubo de sobrevivir en otros escenarios y academias, el estreno en París de la versión para ballet de El amor brujo de Falla por Antonia Mercé, la Argentina, avanzaba las amplias perspectivas que su futura compañía abriría hacia el final de la década. Al igual que sus Ballets Espagnols, los estrenos de Vicente Escudero, Teresina Boronat o Joan Magrinyá lograron grandes éxitos con la colaboración de poetas, compositores y artistas visuales.

La muestra, además, dirige el foco l a c i a la presencia de la danza en el contexto del institucionismo y la Residencia de Estudiantes. La danza moderna se incluyó en los programas académicos de sus grupos femenino y masculino, mientras que la danza española estuvo presente en actividades y proyectos desarrollados por los círculos de residentes. La amistad entre Federico García Lorca y Encarnación López, la Argentinita, la representación de la versión de E l amor brujo de la Compañía de Bailes Españoles o el proyecto frustrado del estreno de Clavileño, concebido por Maruja Mallo y Rodolfo Halffter, son algunos ejemplos de la memoria de aquellas danzas que habitaron los espacios de la Residencia. Por último, la sección dedicada a los legados de la Edad de Plata tras la guerra civil hace las veces de cartografía inacabada de los caminos que siguieron aquellos protagonistas en el exilio y durante el primer franquismo.

Catálogo

La exposición cuenta con un magnífico catálogo de casi 500 páginas, muy completo y documentado que intuimos imprescindible en las estanterías de profesionales y aficionados.

jueves, 28 de septiembre de 2017

Kukai Dantza presenta Oskara en Danza_Mos´17

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Oskara recorre algunos pasajes de la cultura vasca, mitos, desde su origen hasta la época contemporánea, un recorrido plástico y emocional de símbolos e iconografía de fuerza ambigua y desconcertante.

La pieza es obra de Marcos Morau, uno de los coreógrafos europeos más destacados; Premio Nacional de Danza 2013, actualmente realiza trabajos para las compañías más prestigiosas del momento, así como creaciones con su propia compañía, La Veronal.

Kukai Dantza

Compañía vasca creada en 2001, Kukai Dantza acaba de conseguir en la última edición de los Premios Max tres galardones por esta obra que ahora se estrena en Madrid: “Mejor espectáculo de danza”, “Mejor elenco” y “Mejor vestuario”. Formada y afincada en Rentería (País Vasco) a iniciativa del bailarín y coreógrafo Jon Maya, esta compañía desarrolla su trabajo a partir de la danza tradicional vasca, proponiendo encuentros con otros estilos de danza y formas de entender el arte. De esta forma, Kukai crea espectáculos contemporáneos a partir del folclore vasco, realizando creaciones propias y colaboraciones con prestigiosos coreógrafos.

Ficha artística

Dirección del proyecto: Jon Maya
Coreografía: Marcos Morau – La Veronal
Dramaturgia: Pablo Gisbert – El Conde de Torrefiel
Producción: Kukai Dantza
Bailarines: Eneko Gil, Urko Mitxelena, Ibon Huarte, Alain Maya, Martxel Rodriguez
Cantante en directo: Erramun Martikorena
Vestuario: Iraia Oiartzabal

miércoles, 27 de septiembre de 2017

Teatros del Canal presentan Sensible protagonizado por Kiti Mánver

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Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en Madrid de Sensible, una obra dirigida por Juan Carlos Rubio basada en la novela de Constance de Salm y protagonizada por Kiti Mánver acompañada por Chevy Muraday. Este montaje se podrá disfrutar en la Sala Verde del 27 de septiembre al 22 de octubre.

Sensible es un espectáculo multidisciplinar: música, danza e interpretación se funden y superponen para sumergirnos en el abanico de obsesiones y afectos del alma magistralmente trazados por Constance de Salm en su afamada novela epistolar del siglo XIX. En ella descubrimos como una madura aristócrata pasa por todas las etapas del calvario al descubrir a la salida de la ópera la traición de su joven amante, que sube al coche con otra mujer. Despechada, a lo largo de un intenso día se sumerge en una espiral de desenfreno intentando recuperar la atención de su enamorado.

En palabras del director, Juan Carlos Rubio: “debo reconocer que lo primero que me interesó de Sensible (adaptación de la obra de Constance de Salm) fue que estuviera escrito por una mujer. Y a comienzos del siglo XIX. ¿Una mujer escribiendo en aquel entonces? Claro que, si somos realistas, bien entrado el siglo XXI, la presencia de las autoras en los escenarios sigue siendo insuficiente. Yo mismo, a lo largo de mi carrera como director, siempre he trabajado con textos escritos por hombres. Y con Sensible encontré la posibilidad de corregir ese error. Y digo error, porque la inmensa gama de emociones, sueños, frustraciones, obsesiones, ironía, dolor y humor que nos regala la protagonista de nuestro espectáculo teatral solo podían surgir de la mente de otra mujer, Constance de Salm. Contar con el equipo soñado, tanto a nivel artístico como técnico, no ha hecho más que confirmarme en la intuición de que Sensible era, es, en proyecto original, auténtico y necesario”.

El trabajo escenográfico diseñado por Curt Allen introduce al espectador en la mente de una mujer que espera con obsesión la llegada de su joven amante, al tiempo que un admirador despechado observa furtivamente todo lo que se desarrolla entre esas paredes. A lo largo de 24 horas ese espacio, conceptual y onírico, va girando sobre sí mismo, ofreciendo diversos ángulos al espectador y descubriendo diversas utilidades insospechadas, como un reloj en el que las manecillas fueran marcando los diferentes estados emocionales de los dos protagonistas.

La iluminación creada por Juanjo Llorens hará hincapié en los claro oscuros de la pasión y los estrechos límites que se desdibujan entre el amor y la obsesión. El paso del tiempo, del devastador tiempo, arrasa con las ilusiones de la protagonista, Constance, y de su frustrado admirador, Alfred. La atmosfera, la claridad momentánea y la sombra creciente, potenciarán esa sensación de angustia y, en algunos momentos, de liberación.

El vestuario de María Luisa Engel nos situará en la época y el lugar exacto en que transcurre nuestra historia: el Nueva York de finales de los años 50. Constance, una sofisticada pintora de la alta sociedad neoyorquina, viste como corresponde a su posición, con elegancia y un toque de elegante atrevimiento, siempre en pos de potenciar la belleza que le puede hacer más deseable a los ojos de su joven amante. Alfred, su invisible y obsesiva sombra, vestirá de traje y corbata, impoluto, impecable.

Julio Awad ha compuesto una inquietante música original para el espectáculo, una banda sonora imprescindible para que Chevi Muraday, en el papel de Alfred, pueda transitar y dar cuerpo a los diferentes estados emocionales que asolan a los protagonistas. Sensible es un espectáculo de los sentidos, y por ello, también el singular espacio sonoro de Sandra Vicente, irá construyendo y aportando la nota necesaria en este viaje en el que la palabra no es la única protagonista.

lunes, 25 de septiembre de 2017

X GATADANS - Torres de la Alameda. [vídeos]

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El pasado sábado visité Torres de la Alameda. Un bonito pueblo de la Comunidad de Madrid que ese día era sede del Festival Gatadans con uno de sus eventos de celebración de su décima edición.

Pasé una agradable tarde viendo como el equipo humano del festival organizaba todo para un desarrollo perfecto del festival.

Con la plaza llena, la compañía Emesis Colectiva comenzó el festival con la pieza ALTERALIDAD. Un trabajo que en principio pensé que iba a ser demasiado técnico para presentarlo en un pueblo, pero, como dice un anuncio en televisión, era un “prejuicio”, ya que los comentarios que oía a mi alrededor mostraban una aceptación e interés que no habría esperado.
Una apuesta valiente del festival que sin duda resultó vencedora.

La siguiente pieza APLAUSO PARA UN VALS de Arnau Pérez y Beatriz del Monte es una joya.
Fresca, emotiva, divertida… una delicia para los sentidos. Los largos aplausos dejaron claro que, como me ocurrió a mí, la obra había calado en el público. [vídeo-extracto]

VIDA de Pepa Cabezas la había visto recientemente en Madrid ante la Junta Municipal de Retiro. Me gustó entonces y me ha vuelto a gustar en Torres de la Alameda. Una obra de flamenco y contemporáneo con mucha fuerza. Excelente.

A continuación la compañía Té con pasas nos ofreció QUEEN, un homenaje a Freddie Mercury y su banda.

El final de fiesta, a cargo del showman y músico BEATMAC, con los bailarines de la gala improvisando sobre la música que iba creando, fue un derroche de energía que se transmitió a todos los presentes que acabamos bailando en la plaza. Un final genial para un festival genial. [Vídeo]

Quiero agradecer a las gentes de Torres de la Alameda su amable acogida.



sábado, 23 de septiembre de 2017

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Nuevo espectáculo en el Teatro Lagrada dentro de la programación del X Miradas al cuerpo. Y nuevamente salgo encantado con la calidad de lo que he visto. Un espectáculo en el que la excelente técnica no ahoga el sentimiento. Una obra de arte que, por supuesto, recomiendo a todos los que la puedan ver.

La sala, casi vacía, grita la necesidad de crear público para la danza. Ahora que la crisis supuestamente ha terminado, ya está tardando la Comunidad de Madrid en dotar de presupuesto a ideas efectivas encaminadas a la creación de público.

Sinopsis

Apartarse una vez más y quedarse dormido. Plácidamente. Abandonado. Conmovido.

Y transitar aquellos territorios que descansan, se extienden, aparecen y ya han desaparecido; que se mecen, explotan, salpican, se crispan, se elevan. La temperatura de tantos paisajes. Su temperamento y el mío.

Para calibrar, una vez más, la cantidad de dolor y plenitud; cuánto de cada cabe en una mano y en otra. Qué pesa más.

Y como no tengo nada que perder, me pierdo. Porque sólo quien se entrega resucita.

la temperatura el temperamento es un paisaje.

Amanecer en medio de un campo de espigas, después de un largo sueño. No sabe cómo ha llegado allí, o no quiere saber, o no tiene paciencia para recordar. Sabe que quiere salir de allí, pero acepta su estado como una bendición; es como dos segundos antes de una catástrofe: esperas lo peor. O lo mejor: la celebración de todas aquellas cosas que quedaron dentro. Es un estado transitorio. Un baile en el campo de la fiesta, y a ambos lados dos abismos. La oportunidad de resucitar para cruzar al otro lado.

la temperatura el temperamento es un acto de fe en la materia de que se compone el cuerpo, del lenguaje que le es propio. En palabras de Roberto Fratini, teórico de danza, la imagen es un cuerpo “rodeado de nebulosa”; de la misma forma lo es la visión que el espectador tiene del cuerpo del bailarín en escena, la imagen que recibe de aquel que no habla, que no hace uso de la palabra y de su significado. Sólo un cuerpo y un paisaje. Y tantos paisajes. Un collage de imágenes para ser interpretadas, relacionadas, apropiadas, sentidas. Y, siguiendo el consejo de Fratini, mi deseo no es arrojar luz sobre este cuerpo, mas por el contrario, adentrarme en su oscuridad.

Las únicas palabras que logran salir de este cuerpo silente son canto, tarareo; de otra forma no saldrían. Pertenecen al poema del músico y poeta del Prerrenacimiento español Juan del Enzina:

“Más vale trocar/ plazer por dolores/ que estar sin amores”

Esta música se repite una y otra vez en la pieza como un mantra, una obsesión: perderse, entregarse. Más allá de esto sólo resta el cuerpo en movimiento y alguna acción simple que no transforma el espacio pero permite su reinterpretación. Un cuerpo nublo que transita por diferentes estados, y el cual el espectador puede contemplar como un viajero observa los paisajes que se abren al otro lado de la ventana.

El deseo fue entonces crear una paisaje. O mejor, un paisaje dentro de otro paisaje. Paisajes dentro de paisajes. Proporcionar al espectador un paseo por universos cargados de estados físicos, emotivos, energéticos. Como referencia, las palabras de Patricia Caballero, bailarina y creadora, en relación a su trabajo: “Lo que hago es lanzarme de un sitio a otro: de lo que está más abajo a lo que está más arriba, y de lo que está más arriba a lo que está más abajo […] Es como un viaje de un estado a otro de conciencia.”

La contemplación de estos universos y la identificación con su temperamento. Pues, según el filósofo Georg Simmel, cuando identificamos un paisaje, conseguimos abrirnos a “un estado completamente nuevo” y recoger “en sus inquebrantables límites lo ilimitado”. De esta forma, el paisaje como fin último, como destino:

“[…] él mismo [el paisaje] es una figura espiritual; en ninguna parte cabe palparlo y hollarlo en lo meramente externo; vive sólo por la fuerza unificadora del alma en tanto que un entrelazamiento no expresable por medio de ninguna comparación mecánica entre lo dado y nuestra creación.“

El paisaje como “figura espiritual”, que “vive sólo por la fuerza unificadora del alma”, y la contemplación del mismo como herramienta para la identificación con el paisaje para acceder a lo “ilimitado”.

He aquí, finalmente, la temperatura el temperamento. Habitar un cuerpo rodeado de nebulosa y permanecer allí “plácidamente. Abandonado. Conmovido.” Un cuerpo mudo y misterioso. Para existir en lo desconocido. En palabras de Angélica Liddell: “[...] al final la expresión es misterio, y yo creo que el misterio me va a llevar directamente a lo sagrado”.



Fran Martínez


Vigo, 1987.

Soy titulado superior en interpretación por la Escuela Superior de Arte Dramático de Galicia (2009) y en 2014 obtengo la licenciatura en Danza en la Escuela Superior de Danza de Lisboa. Complemento mi formación en danza contemporánea y danza butoh con diferentes maestros en España, Portugal y Bélgica, entre los que cabe destacar: David Zambrano, Eulalia Ayguadé, Rakesh Sukesh, Les Slovaks Dance Collective, Guillermo Weickert, Patricia Caballero e Hisako Horikawa, entre otros.

He colaborado con los artistas Elena Córdoba, Dora García, Tino Sehgal y Emanuele Sciannamea y soy cofundador de áIntemperie | Colectivo de creación escénica experimental, y p r á c i d o • d o m i n g o | Compañía de artes del movimiento.

Desde 2013 trabajo con la coreógrafa portuguesa Amélia Bentes, participando en sus últimas creaciones: Eternuridade (2013), Sem chão sem fim (2015) y Xurxo (2016). Actualmente trabajo con la coreógrafa Meytal Blanaru en su última creación, ANITYA, estrenada en el mes de julio en DansCentrumJette (Bruselas).

la temperatura el temperamento, mi primer trabajo coreográfico, ha sido estrenado en junio de 2015 en el Teatro Ensalle de Vigo y ha sido presentado en festivales como Corpo[a]Terra, Quincegotas o SóloDos en Danza, donde ha sido galardonado con el premio “ Programación en el Festival Abril en Danza en el Gran Teatro de Elche 2017”.

Creación e interpretación
Fran Martínez

Iluminación
Pedro Fresneda y Raquel Hernández

Técnico en gira
Ángel Sousa

El guardaespaldas llega a la Gran Vía madrileña. [vídeo]

Reportaje completo en www.eter.com

Ayer tuve la oportunidad de asistir a la presentación de este nuevo musical de la Gran Vía madrileña.

Un derroche de técnica arropa la maravillosa voz de Fela Domínguez que, acompañada por un extenso elenco, protagoniza el musical.

Sólo he visto unos minutos durante la presentación, pero me bastan para augurar un gran éxito.

Esta nueva producción de Stage Entertainment, está dirigida por Carline Brouwer (Sister Act), cuenta con Iván Sánchez y Maxi Iglesias alternándose en el papel de Frank Farmer, y con la cantante y actriz mexicana Fela Domínguez en el papel de Rachel Marron.

Más de 30 actores y bailarines completan el reparto de este musical que se estrenará el 28 de septiembre en el teatro Coliseum de Madrid.





jueves, 21 de septiembre de 2017

Laia Salvador estrena ESPARTA en Madrid

Reportaje completo en www.eter.com

Hace unos años yo era un crítico de danza honesto, -lo sigo siendo aunque ya no sea mi ocupación principal-. Mi honestidad me acarreó la enemistad de mucha gente mediocre, de los que, en palabras de Norman Vincent Peale, “prefieren ser arruinado por los elogios que salvados por las críticas”. También gané algunos amigos :-).

Una ventaja que me he ganado con mi fama de crítico honesto, es que me permite disfrutar de la danza, porque sólo los que están seguros de la calidad de su trabajo se atreven a pedirme que vaya a verlo (y hacer fotos, mi cámara y yo ya somos inseparables).

Laia Salvador me invitó ayer a ver su espectáculo “ESPARTA” y, como preveía, salí encantado con el trabajo coreográfico de esta artista a la que hasta ahora sólo conocía y admiraba como bailarina.

ESPARTA es una obra coreográfica de danza española inspirada en la sociedad espartana y en el viaje que siete jóvenes emprenden para convertirse en grandes guerreras.

La Danza Española, el Folklore y el Flamenco se fusionan con elementos de percusión resultando en un espectáculo elegante, fresco y de una gran calidad que no puedo por menos que recomendar.


Idea original, producción, coreografía y dirección escénica:
Laia Salvador

Elenco
Laia Salvador
Laura Fúnez
Cristina Cazorla
María Gayubo
Lucía Gómez
Mariana García
Almudena Roca
Rocío Gómez

Composición musical
Laia Salvador
José Hernández

Escenografía
Laia Salvador

Vestuario
Carmen Granell

Diseño de iluminación
Olga García

sábado, 16 de septiembre de 2017

Meraki Cía presenta Saved or Not en Miradas al Cuerpo

Reportaje completo en www.eter.com

El Teatro Lagrada sigue presentando espectáculo de danza de gran calidad con muy poca respuesta por parte del público. Como en el caso de esta interesante obra “Saved or not” que pude ver con la sala casi vacía.

Puedo entender que el público en general no acuda a ver danza. Durante años se ha alejado al público no danzante con la promoción oficial de espectáculos de dudosa calidad, muy del gusto de los que mandaban en esos momentos.

Lo que no puedo entender es que los bailarines no acudan, la sala tiene precios y ofertas que no admiten la justificación económica. Yo, como fotógrafo, procuro acudir todas las semanas a exposiciones de fotografía consciente de que, sean de mi gusto o no, esto supone un enriquecimiento en mi bagaje artístico fotográfico. Pienso que los bailarines deberían hacer lo mismo, ya que la contemplación de otras formas de hacer danza sólo puede redundar en su beneficio.

Ayer me decía una amiga americana que en su país los conservatorios y escuelas promueven la asistencia a espectáculos de danza. No sé como está esto aquí en España.




SINOPSIS DEL ESPECTÁCULO

Saved or Not analiza el paso del tiempo, la confianza entre dos personas y su relación, a través del movimiento de la Danza Contemporánea y del Breakdance. De formato autobiográfico, las experiencias personales se trasladan al escenario creando un lenguaje basado en la cotidianidad.

Saved or Not es una exploración de la dualidad entre lo real y lo fantástico, donde dos personas encuentran, a través de la danza, su refugio en el otro.

Los protagonistas experimentan un viaje a través de diferentes emociones y sentimientos llevados más allá de los límites del espacio escénico.

El cuerpo, la escena y la tecnología, coordinados para ofrecer un diálogo sentimental, donde confluyen los sentidos de los espectadores con la precisión y la química del movimiento.

Se crea una atmósfera que envuelve al público, donde la complicidad real entre los bailarines se traslada al espectador para transmitir sentimientos y emociones. Algunas de las ideas desarrolladas surgen a partir de la contextualización de palabras como empatía, sinceridad, comunicación, miedo o libertad.

miércoles, 13 de septiembre de 2017

Latente de La Casa Amarilla en Lagrada

Reportaje completo en www.eter.com

Miradas al cuerpo es un festival que me hace sentirme muy agradecido. Miguel Torres, director del Teatro Lagrada, hombre de teatro, tiene un gusto excelente a la hora de elegir su programación de danza.

La obra que se comenta en este artículo es bella. Por algún motivo me hace feliz, optimista. Obviamente esto que digo no tiene nada que ver con la sinopsis, que os copio más abajo, pero como dijo Confucio (o no) “Si Dios hubiera querido que fuéramos objetivos nos habría hecho objetos, nos hizo sujetos, por tanto subjetivos”.

He disfrutado cada instante de los cincuenta minutos de Latente y recomiendo encarecidamente verla.

Aprovecho para protestar.
La programación del festival Miradas al Cuerpo es muy buena y el teatro hace la difusión necesaria.
No me explico que cada vez que voy me encuentre con sólo diez-doce espectadores en la sala.
¿Será que como hace poco me decían los responsables de un teatro privado la danza no interesa?

Hace falta crear público para la danza.



SINOPSIS

No soy la mejor en nada, ni la peor en todo. Tengo una única maleta con demasiados recuerdos y pocos sueños cumplidos y llevo tanto tiempo esperando en la orilla a que la vida venga a buscarme, que se me han hundido los pies en la arena y no puedo caminar. Sigo aquí, escondida, esperando.

Latente es un viaje a lo más profundo y oscuro de nosotras mismas.
Latente nace de la necesidad de hablar de nuestros miedos, de nuestros fracasos y nuestras frustraciones en este momento en el que nos encontramos en el que cuesta ilusionarse y en el que nos enfrentamos a la duda constante de si lo que hacemos sirve para algo o, simplemente, si interesa a alguien.
Latente es un lamento, es un grito de auxilio pero también es un reírnos de nosotras mismas, es un intento de conocer lo bueno y lo malo y seguir hacia delante, porque hay que seguir soñando (en grande y en pequeño) como si fuera el último día.

Curriculum de la compañía

La Casa Amarilla Danza nace como compañía en el año 2006 y surge como un grupo que pretende romper los límites, abrir las puertas del arte y borrar los contornos que definen el "yo bailo, tú pintas, él toca".
Afincada en Valencia, la compañía está dirigida por Cristina Gómez pero busca constantemente la participación y colaboración de gente que comparten la idea de un proyecto en común que busca que el resultado no sea una pieza de danza sino una obra completa donde se unen música, plástica, teatro, voz, expresión y movimiento.
La Casa Amarilla Danza ha estrenado las siguientes obras, "Descolgada" en el año 2006, "Vacía" en el año 2007 y "Elogio a un solo instante" en 2008 (con varias reposiciones de la misma entre 2008 y 2013) "Yo nunca seré una estrella de rock", en 2010, "Sublimación: proceso para evaporar el alma", estrenada en mayo del 2013, el espectáculo para público familiar “la vuelta al mundo en 80 años” estrenada en espacio inestable dentro de su programa de residencias “graneros en creación” en noviembre del 2015 , “el vacío en la huella” pieza breve de danza para calle y espacios no convencionales estrenada en sala Carme teatre en 2015 y “Abrazar el abismo” que se estrenó en enero del 2016 en la sala Russafa de Valencia y recibió el premio del público al mejor espectáculo de danza.

Curriculum de Cristina Gómez

Cristina Gómez estudió en la Universidad Miguel Hernández de Altea el título superior de Danza Contemporánea, ha impartido clases de danza en Saltamontes Espacio Creativo, y actualmente en imparte clase en la escuela de Eva Bertomeu. Además de crear la compañía La casa amarilla ha formado parte de la compañía La coja dansa con la que ha participado en las coreografías “Mucho que perder”, “Todo por hacer”, “Prólogo del temblor”, “Retrats habitats”, “Fracaso…” y “No falta ninguno”. Ha colaborado con las compañía de teatro Savoir faire y Tres teatre además de con la compañía de teatro clásico El corral de la Olivera.
Ficha artística
•DIRECCIÓN: Cristina Gómez
•COREOGRAFÍA E INTERPRETACIÓN: Ana Lola Cosín Torada , Cristina Gómez Vicente, María Martí Peñaranda
•ESPACIO ESCÉNICO E ILUMINACIÓN: Carlos Molina
•MÚSICA ORIGINAL: Edu Marín
•TEXTOS: Irene González
•Canción Sueño latente: Paricia Gimenez
•Duración: 50 min
Estrenado en Carme Teatre (Valencia) en Febrero del 2017